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Exhibition of the Laureates of the Fourth Edition of the International Contest for Minority Artists (2025)
BELONGING, PLACE AND LOSS presents a collection of artworks from the laureates of the 2025 edition of the International Contest for Minority Artists. Organized since 2022, the Contest aims to support and amplify the voices of minority artists committed to defending human rights around the world. The initiative is a partnership of the UN Human Rights Office (OHCHR) with the civil society organizations Freemuse and Minority Rights Group (MRG), and the City of Geneva. Organized in collaboration with the Centre des Arts of the International School of Geneva (Ecolint), this exhibition invites visitors on a journey through the intimate and collective layers of creative expression articulated by eight remarkable minority artists. Across painting, digital art, dance, photography, performance, and multimedia installations, these artists explore – each in their own way – what Belonging, Place and Loss mean for minorities in a world increasingly fractured and conflicted. Depicting the lived realities of those whose voices too often remain unheard or marginalized, each artwork becomes an embodied testimony and a vivid invitation to (re)conceive belonging and attachment from the perspectives of minority communities. At the heart of this exploration lies the emerging idea of “cultural bereavement” – the trauma that follows the loss of community, language, land, and familiar worlds. Through creative gesture, these artists make immediately and profoundly tangible the wounds caused by displacement, dispossession, and the erosion of minority languages, cultures, memories, and shared lifeworlds. Their art transforms these absences into presence, rendering the unseen and unsaid visible. Several works also confront the entwined injustices of environmental racism and the unequal toll of climate change, translating urgent realities into creations that stir empathy and emphasize the need for collective action.
Through their artistic practice and commitment, each of the eight artists presented in this exhibition acts as a human rights ambassador, translating the realities and struggles – but also the bravery and hopes – of minorities into creative languages of remembrance, resilience, and renewal. This exhibition is not only a reflection of what has been lost, but also a testament to the enduring power of minority art to heal, (re)connect, advocate for human rights, and reimagine justice in our societies.
International Minority Artist Award Laureates 2025
Alia Al-Saadi (Palestinian dancer and choreographer, Syria)
Sead Kazanxhiu (Romani visual artist, Albania)
Darwin Cruz (Maya Ch’ol visual artist, Mexico)
International Minority Artist Award Laureate 2025: Youth Category
Lindxee Collins (Jamaican visual artist, Barbados)
Honorable Mentions 2025
Abubakar Moaz (Sudanese visual artist, Kenya)
Mariri Tavares (Black visual artist, Brazil)
Emanoel Saravá (Afro-Indigenous visual and photo-performance artist, Brazil)
Kheder Abdulkarim (Kurdish-Syrian visual artist, Germany)
APPARTENANCE, LIEU ET PERTE
Exposition des Lauréat-e-s de la Quatrième Édition du Concours International pour les Artistes Issu-e-s de Minorités (2025)
APPARTENANCE, LIEU ET PERTE présente une collection d’œuvres réalisées par les lauréat-e-s de l’édition 2025 du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités. Organisé depuis 2022, le Concours vise à soutenir et amplifier la voix des artistes issu-e-s de minorités qui s’engagent pour la défense des droits humains à travers le monde. Cette initiative est le fruit d’un partenariat entre le Haut-Commissariat des Nations Unies aux droits de l’homme (HCDH), les organisations de la société civile Freemuse et Minority Rights Group (MRG), et la Ville de Genève. Organisée en collaboration avec le Centre des Arts de l’École Internationale de Genève (Ecolint), cette exposition invite à un voyage à travers les dimensions intimes et collectives de l’expression créative déployée par huit remarquables artistes issu-e-s de minorités. Par le biais de la peinture, l’art numérique, la danse, la photographie, la performance artistique et des installations multimédias, ces artistes explorent ce que signifient l’Appartenance, le Lieu et la Perte pour les minorités dans un monde de plus en plus fracturé et conflictuel.
Dépeignant les réalités vécues de celles et ceux dont les voix restent trop souvent inaudibles ou marginalisées, chaque œuvre constitue un témoignage incarné et une invitation vibrante à (re)concevoir l’appartenance et l’attachement du point de vue des communautés minoritaires. Au cœur de cette exploration se trouve l’idée émergeante de « deuil culturel » – le traumatisme qui suit la perte de la communauté, de la langue, de la terre et des mondes familiers. Par le biais de leur geste créatif, ces artistes rendent profondément tangibles les blessures causées par le déplacement, la dépossession et l’érosion des langues, des cultures, des souvenirs et des visions du monde des communautés minoritaires. Leur art transforme ces absences en présence, rendant visible et dicible ce qui demeure souvent invisible et inexprimé. Plusieurs œuvres abordent également les injustices causées par le racisme environnemental et les conséquences inégales du changement climatique ; elles transposent ces réalités urgentes dans des créations qui suscitent l’empathie, tout en soulignant la nécessité de l’action collective.
À travers leur pratique artistique et leur engagement, les artistes agissent ici comme ambassadeurs et ambassadrices des droits humains, traduisant les réalités et les luttes – mais aussi le courage et les espoirs – des minorités par le prisme du langage créatif, évoquant ainsi la mémoire, la résilience et le renouveau. Cette exposition n’est pas seulement le reflet de ce qui a été perdu, mais elle constitue également un témoignage de la puissance durable de l’art minoritaire pour guérir, (re)lier, défendre les droits humains et réimaginer la justice dans nos sociétés.
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Alia Al-Saadi (danseuse et chorégraphe palestinienne, Syrie)
Sead Kazanxhiu (artiste plasticien rom, Albanie)
Darwin Cruz (artiste plasticien maya ch’ol, Mexique)
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025 : catégorie jeunesse
Lindxee Collins (artiste peintre jamaïcaine, Barbade)
Mentions honorables du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Abubakar Moaz (artiste plasticien soudanais, Kenya)
Mariri Tavares (artiste plasticienne noire, Brésil)
Emanoel Saravá (artiste plasticien et photographe-performeur afro-autochtone, Brésil)
Kheder Abdulkarim (artiste peintre kurde-syrien, Allemagne)
BELONGING, PLACE AND LOSS
Exhibition of the Laureates of the Fourth Edition of the International Contest for Minority Artists (2025)
BELONGING, PLACE AND LOSS presents a collection of artworks from the laureates of the 2025 edition of the International Contest for Minority Artists. Organized since 2022, the Contest aims to support and amplify the voices of minority artists committed to defending human rights around the world. The initiative is a partnership of the UN Human Rights Office (OHCHR) with the civil society organizations Freemuse and Minority Rights Group (MRG), and the City of Geneva. Organized in collaboration with the Centre des Arts of the International School of Geneva (Ecolint), this exhibition invites visitors on a journey through the intimate and collective layers of creative expression articulated by eight remarkable minority artists. Across painting, digital art, dance, photography, performance, and multimedia installations, these artists explore – each in their own way – what Belonging, Place and Loss mean for minorities in a world increasingly fractured and conflicted. Depicting the lived realities of those whose voices too often remain unheard or marginalized, each artwork becomes an embodied testimony and a vivid invitation to (re)conceive belonging and attachment from the perspectives of minority communities. At the heart of this exploration lies the emerging idea of “cultural bereavement” – the trauma that follows the loss of community, language, land, and familiar worlds. Through creative gesture, these artists make immediately and profoundly tangible the wounds caused by displacement, dispossession, and the erosion of minority languages, cultures, memories, and shared lifeworlds. Their art transforms these absences into presence, rendering the unseen and unsaid visible. Several works also confront the entwined injustices of environmental racism and the unequal toll of climate change, translating urgent realities into creations that stir empathy and emphasize the need for collective action.
Through their artistic practice and commitment, each of the eight artists presented in this exhibition acts as a human rights ambassador, translating the realities and struggles – but also the bravery and hopes – of minorities into creative languages of remembrance, resilience, and renewal. This exhibition is not only a reflection of what has been lost, but also a testament to the enduring power of minority art to heal, (re)connect, advocate for human rights, and reimagine justice in our societies.
International Minority Artist Award Laureates 2025
Alia Al-Saadi (Palestinian dancer and choreographer, Syria)
Sead Kazanxhiu (Romani visual artist, Albania)
Darwin Cruz (Maya Ch’ol visual artist, Mexico)
International Minority Artist Award Laureate 2025: Youth Category
Lindxee Collins (Jamaican visual artist, Barbados)
Honorable Mentions 2025
Abubakar Moaz (Sudanese visual artist, Kenya)
Mariri Tavares (Black visual artist, Brazil)
Emanoel Saravá (Afro-Indigenous visual and photo-performance artist, Brazil)
Kheder Abdulkarim (Kurdish-Syrian visual artist, Germany)
APPARTENANCE, LIEU ET PERTE
Exposition des Lauréat-e-s de la Quatrième Édition du Concours International pour les Artistes Issu-e-s de Minorités (2025)
APPARTENANCE, LIEU ET PERTE présente une collection d’œuvres réalisées par les lauréat-e-s de l’édition 2025 du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités. Organisé depuis 2022, le Concours vise à soutenir et amplifier la voix des artistes issu-e-s de minorités qui s’engagent pour la défense des droits humains à travers le monde. Cette initiative est le fruit d’un partenariat entre le Haut-Commissariat des Nations Unies aux droits de l’homme (HCDH), les organisations de la société civile Freemuse et Minority Rights Group (MRG), et la Ville de Genève. Organisée en collaboration avec le Centre des Arts de l’École Internationale de Genève (Ecolint), cette exposition invite à un voyage à travers les dimensions intimes et collectives de l’expression créative déployée par huit remarquables artistes issu-e-s de minorités. Par le biais de la peinture, l’art numérique, la danse, la photographie, la performance artistique et des installations multimédias, ces artistes explorent ce que signifient l’Appartenance, le Lieu et la Perte pour les minorités dans un monde de plus en plus fracturé et conflictuel.
Dépeignant les réalités vécues de celles et ceux dont les voix restent trop souvent inaudibles ou marginalisées, chaque œuvre constitue un témoignage incarné et une invitation vibrante à (re)concevoir l’appartenance et l’attachement du point de vue des communautés minoritaires. Au cœur de cette exploration se trouve l’idée émergeante de « deuil culturel » – le traumatisme qui suit la perte de la communauté, de la langue, de la terre et des mondes familiers. Par le biais de leur geste créatif, ces artistes rendent profondément tangibles les blessures causées par le déplacement, la dépossession et l’érosion des langues, des cultures, des souvenirs et des visions du monde des communautés minoritaires. Leur art transforme ces absences en présence, rendant visible et dicible ce qui demeure souvent invisible et inexprimé. Plusieurs œuvres abordent également les injustices causées par le racisme environnemental et les conséquences inégales du changement climatique ; elles transposent ces réalités urgentes dans des créations qui suscitent l’empathie, tout en soulignant la nécessité de l’action collective.
À travers leur pratique artistique et leur engagement, les artistes agissent ici comme ambassadeurs et ambassadrices des droits humains, traduisant les réalités et les luttes – mais aussi le courage et les espoirs – des minorités par le prisme du langage créatif, évoquant ainsi la mémoire, la résilience et le renouveau. Cette exposition n’est pas seulement le reflet de ce qui a été perdu, mais elle constitue également un témoignage de la puissance durable de l’art minoritaire pour guérir, (re)lier, défendre les droits humains et réimaginer la justice dans nos sociétés.
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Alia Al-Saadi (danseuse et chorégraphe palestinienne, Syrie)
Sead Kazanxhiu (artiste plasticien rom, Albanie)
Darwin Cruz (artiste plasticien maya ch’ol, Mexique)
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025 : catégorie jeunesse
Lindxee Collins (artiste peintre jamaïcaine, Barbade)
Mentions honorables du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Abubakar Moaz (artiste plasticien soudanais, Kenya)
Mariri Tavares (artiste plasticienne noire, Brésil)
Emanoel Saravá (artiste plasticien et photographe-performeur afro-autochtone, Brésil)
Kheder Abdulkarim (artiste peintre kurde-syrien, Allemagne)
ABUBAKAR MOAZ
Visual artist
Honorable Mention of the 2025 International Contest for Minority Artists
Abubakar “Bakri” Moaz (b. 1993) is a Sudanese painter whose practice explores spirituality, memory, and resilience against the backdrop of war and displacement. Moaz graduated in 2022 with a BA in Painting from Sudan University of Science and Technology and is a co-founder of Zan Arts Studio, playing a key role in Sudan’s emerging contemporary art movement.
Growing up near the Blue Nile, Moaz draws inspiration from both the natural environment and the lived experience of political instability, systemic discrimination, and conflict. His abstract portraits and textured canvases reflect on belonging, place, and loss, documenting the violence of exile while asserting resilience and identity. “My work is a way to resist erasure,” Moaz explains, “to preserve fragments of memory and transform pain into a visual language that confronts displacement.”
Symbols such as the fish – representing migration and survival – recur in his work, alongside imagery of graveyards, worn slippers, and the coccyx – signifiers of movement, memory, and the erosion of identity through forced migration. His series Sketches of War confronts dominant narratives of conflict through abstraction and symbolism, evoking both nostalgia for a lost homeland and the endurance required in exile.
Moaz’s career milestones include the Emerging Painting Invitational Prize (EPI) in 2022 (South Africa), his second solo exhibition Behind the Wheel (Khartoum, 2022), and international group shows such as Disturbance in the Nile (Spain, Portugal), Cartwheel of Estrangement (Kenya), and Anthropology of Detachment (Kenya, 2024). His work is held in private collections worldwide.
Since the destruction of his studio during the war in Sudan, Moaz has resided in Nairobi, Kenya, where he continues to create art as a tool for resistance, healing and advocacy. Looking forward, he aims to amplify the voices of displaced artists, creating platforms for shared narratives of resilience and justice.
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ABUBAKAR MOAZ
Artiste plasticien
Mention Honorable du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Abubakar « Bakri » Moaz (né en 1993) est un peintre soudanais dont la pratique explore la spiritualité, la mémoire et la résilience dans un contexte de guerre et de déplacement. Abubakar Moaz a obtenu une licence en peinture à l’Université des sciences et technologies du Soudan en 2022. Il est cofondateur du Zan Arts Studio et joue un rôle clé dans le mouvement artistique contemporain émergeant au Soudan.
Ayant grandi près du Nil Bleu, Abubakar Moaz puise son inspiration à la fois dans l’environnement naturel et dans son expérience vécue de l’instabilité politique, de la discrimination systémique et des conflits. Ses portraits abstraits et ses toiles texturées reflètent l’appartenance, le lieu et la perte, documentent la violence de l’exil et affirment la résilience et l’identité. « Mon travail est un moyen de résister à l’effacement, de préserver des fragments de mémoire et de transformer la douleur en un langage visuel qui confronte le déplacement », explique Abubakar Moaz.
Des symboles tels que le poisson – représentant la migration et la survie – reviennent régulièrement dans son œuvre, aux côtés d’images de cimetières, de tongs usées et du coccyx, signifiants du mouvement, de la mémoire et de l’érosion de l’identité par la migration forcée. Sa série Sketches of War confronte les récits dominants du conflit à travers l’abstraction et le symbolisme, évoquant à la fois la nostalgie d’une terre natale perdue et l’endurance requise en exil.
Les étapes importantes de sa carrière comptent le Emerging Painting Invitational Prize (EPI) en 2022 (Afrique du Sud), sa deuxième exposition individuelle Behind the Wheel à Khartoum en 2022, et des expositions collectives internationales, telles que Disturbance in the Nile (Espagne, Portugal), Cartwheel of Estrangement (Kenya) et Anthropology of Detachment (Kenya, 2024). Ses œuvres font partie de collections privées dans le monde entier.
Depuis la destruction de son atelier pendant la guerre au Soudan, Abubakar Moaz réside à Nairobi au Kenya, où il continue de créer des œuvres d’art comme outil de résistance, de guérison et de militantisme. À l’avenir, il souhaite amplifier la voix des artistes déplacé-e-s en créant des plateformes pour partager des récits de résilience et de justice.
ABUBAKAR MOAZ
Visual artist
Honorable Mention of the 2025 International Contest for Minority Artists
Abubakar “Bakri” Moaz (b. 1993) is a Sudanese painter whose practice explores spirituality, memory, and resilience against the backdrop of war and displacement. Moaz graduated in 2022 with a BA in Painting from Sudan University of Science and Technology and is a co-founder of Zan Arts Studio, playing a key role in Sudan’s emerging contemporary art movement.
Growing up near the Blue Nile, Moaz draws inspiration from both the natural environment and the lived experience of political instability, systemic discrimination, and conflict. His abstract portraits and textured canvases reflect on belonging, place, and loss, documenting the violence of exile while asserting resilience and identity. “My work is a way to resist erasure,” Moaz explains, “to preserve fragments of memory and transform pain into a visual language that confronts displacement.”
Symbols such as the fish – representing migration and survival – recur in his work, alongside imagery of graveyards, worn slippers, and the coccyx – signifiers of movement, memory, and the erosion of identity through forced migration. His series Sketches of War confronts dominant narratives of conflict through abstraction and symbolism, evoking both nostalgia for a lost homeland and the endurance required in exile.
Moaz’s career milestones include the Emerging Painting Invitational Prize (EPI) in 2022 (South Africa), his second solo exhibition Behind the Wheel (Khartoum, 2022), and international group shows such as Disturbance in the Nile (Spain, Portugal), Cartwheel of Estrangement (Kenya), and Anthropology of Detachment (Kenya, 2024). His work is held in private collections worldwide.
Since the destruction of his studio during the war in Sudan, Moaz has resided in Nairobi, Kenya, where he continues to create art as a tool for resistance, healing and advocacy. Looking forward, he aims to amplify the voices of displaced artists, creating platforms for shared narratives of resilience and justice.
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ABUBAKAR MOAZ
Artiste plasticien
Mention Honorable du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Abubakar « Bakri » Moaz (né en 1993) est un peintre soudanais dont la pratique explore la spiritualité, la mémoire et la résilience dans un contexte de guerre et de déplacement. Abubakar Moaz a obtenu une licence en peinture à l’Université des sciences et technologies du Soudan en 2022. Il est cofondateur du Zan Arts Studio et joue un rôle clé dans le mouvement artistique contemporain émergeant au Soudan.
Ayant grandi près du Nil Bleu, Abubakar Moaz puise son inspiration à la fois dans l’environnement naturel et dans son expérience vécue de l’instabilité politique, de la discrimination systémique et des conflits. Ses portraits abstraits et ses toiles texturées reflètent l’appartenance, le lieu et la perte, documentent la violence de l’exil et affirment la résilience et l’identité. « Mon travail est un moyen de résister à l’effacement, de préserver des fragments de mémoire et de transformer la douleur en un langage visuel qui confronte le déplacement », explique Abubakar Moaz.
Des symboles tels que le poisson – représentant la migration et la survie – reviennent régulièrement dans son œuvre, aux côtés d’images de cimetières, de tongs usées et du coccyx, signifiants du mouvement, de la mémoire et de l’érosion de l’identité par la migration forcée. Sa série Sketches of War confronte les récits dominants du conflit à travers l’abstraction et le symbolisme, évoquant à la fois la nostalgie d’une terre natale perdue et l’endurance requise en exil.
Les étapes importantes de sa carrière comptent le Emerging Painting Invitational Prize (EPI) en 2022 (Afrique du Sud), sa deuxième exposition individuelle Behind the Wheel à Khartoum en 2022, et des expositions collectives internationales, telles que Disturbance in the Nile (Espagne, Portugal), Cartwheel of Estrangement (Kenya) et Anthropology of Detachment (Kenya, 2024). Ses œuvres font partie de collections privées dans le monde entier.
Depuis la destruction de son atelier pendant la guerre au Soudan, Abubakar Moaz réside à Nairobi au Kenya, où il continue de créer des œuvres d’art comme outil de résistance, de guérison et de militantisme. À l’avenir, il souhaite amplifier la voix des artistes déplacé-e-s en créant des plateformes pour partager des récits de résilience et de justice.
ALIA AL-SAADI
Dancer and choreographer
Main Award of the 2025 International Contest for Minority Artists
Alia Al-Saadi (b.1997) is a Palestinian dancer and choreographer born in Yarmouk Camp, Syria, as a third-generation refugee. Al-Saadi received her formal training at the Higher Institute of Dramatic Arts (Dance Department) in Damascus, where she studied ballet, contemporary dance, jazz, acrobatics, and traditional dance forms. Her artistic practice is rooted in the intersections of movement, exile, and identity, transforming the body into a living archive of displacement and resistance.
“My work embodies the experience of exile and fragmented belonging, where the body becomes the sole medium through which place is redefined in the absence of a stable homeland,” Al-Saadi explains. For her, the body is not only a vessel of expression, but also a counter-narrative against erasure, an archive of survival and resistance.
Her choreographic research delves into themes of forced migration, memory, and the reimagining of belonging. Through her performances, she explores how the body negotiates continuous loss, how time becomes distorted in exile, and how movement itself can function as both testimony and resistance. Each piece transforms trauma into a physical language, where the body becomes a site of resilience and a map of identity that refuses disappearance.
The Judges Panel was struck by Al-Saadi’s ability to embody the complexity of exile and displacement in her performances, infusing them with despair, sorrow, and anxiety, yet also resilience and defiance. The panel commended the depth and maturity of her work which transcends age, situating her practice as both personal testimony and universal reflection.
In reframing belonging not as a fixed geographical right but as a rhythm pulsing within the body, Al-Saadi challenges conventional notions of nationhood. Her performances propose an alternative way of mapping identity, one where the body itself becomes homeland. In this redefinition lies the quiet revolution of her practice: a reclamation of space, history, and memory through movement.
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ALIA AL-SAADI
Danseuse et chorégraphe
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Alia Al-Saadi (née en 1997) est une danseuse et chorégraphe palestinienne, née dans le camp de Yarmouk en Syrie, comme réfugiée de troisième génération. Alia Al-Saadi a été formée à l’Institut supérieur des arts dramatiques (département de danse) à Damas, où elle a étudié le ballet, la danse contemporaine, le jazz, l’acrobatie et les formes traditionnelles de danse. Sa pratique artistique se trouve à l’intersection entre le mouvement, l’exil et l’identité, transformant le corps en une archive vivante du déplacement et de la résistance.
« Mon travail incarne l’expérience de l’exil et de l’appartenance fragmentée, où le corps devient le seul moyen de redéfinir le lieu en l’absence d’une terre natale stable », explique Alia Al-Saadi. Pour elle, le corps n’est pas seulement un vecteur d’expression, mais également un contre-récit contre l’effacement, une trace de survie et de résistance.
Ses recherches chorégraphiques abordent les thèmes de la migration forcée, de la mémoire et de l’appartenance. À travers ses performances, elle explore la manière dont le corps appréhende la perte et la façon dont le temps se déforme en exil, tout en appréhendant le mouvement luimême comme espace de témoignage et de résistance. Chacune de ses performances transforme le traumatisme en un langage physique, où le corps devient un lieu de résilience et une carte pour une identité qui refuse la disparition.
Le jury a été frappé par la capacité d’Alia Al-Saadi à incarner la complexité de l’exil et du déplacement dans ses performances, en les imprégnant de désespoir, de tristesse et d’anxiété, mais également de résilience et de défiance. Le jury a salué la profondeur et la maturité de son travail qui transcende le temps, faisant de sa pratique à la fois un récit personnel et une réflexion universelle.
En redéfinissant l’appartenance non pas comme un droit géographique fixe, mais comme un rythme qui pulse dans le corps, Alia Al-Saadi remet en question les notions conventionnelles de « conscience nationale ». Ses performances proposent une autre façon de cartographier l’identité, où le corps lui-même devient un lieu d’appartenance. C’est dans cette redéfinition que réside la révolution silencieuse de sa pratique : une réappropriation de l’espace, de l’histoire et de la mémoire par le mouvement.
Abubakar MOAZ
Apathique
Acrylique sur toile
100 x 150 cm
Nairobi, Kenya, 2024
« En apparence, le général apparaît comme un bouclier protecteur, admiré et respecté par le peuple. Mais en réalité, c’est lui qui décide de faire la guerre. Cette œuvre dépeint le général comme quelqu’un qui est indifférent à la destruction et aux déplacements causés par ses actions ».
Apathetic
Acrylic on Canvas
100 x 150 cm
Nairobi, Kenya, 2024
“On the surface, the general appears as a shield for protection, admired and respected by the people. But in truth, he is the one who decides to wage war. This work portrays the general as someone indifferent to the destruction and displacement caused by his actions.”
Abubakar MOAZ
Apathique
Acrylique sur toile
100 x 150 cm
Nairobi, Kenya, 2024
« En apparence, le général apparaît comme un bouclier protecteur, admiré et respecté par le peuple. Mais en réalité, c’est lui qui décide de faire la guerre. Cette œuvre dépeint le général comme quelqu’un qui est indifférent à la destruction et aux déplacements causés par ses actions ».
Apathetic
Acrylic on Canvas
100 x 150 cm
Nairobi, Kenya, 2024
“On the surface, the general appears as a shield for protection, admired and respected by the people. But in truth, he is the one who decides to wage war. This work portrays the general as someone indifferent to the destruction and displacement caused by his actions.”
Abubakar MOAZ
Avant qu’ils ne s’estompent
Acrylique sur toile
100 x 120 cm
Nairobi, Kenya, 2025
« Cette œuvre fait partie d’une longue série de portraits abstraits qui explorent la mémoire, l’identité et le passage du temps. Je plonge dans les liens du passé et les émotions liées aux personnes que j’ai connues autrefois. Ces formes abstraites agissent comme des portes d’entrée vers des souvenirs, certains clairs, d’autres estompés par le temps. Au fur et à mesure que je travaille, je me retrouve à voyager dans le temps, à me remémorer des conversations et des expériences partagées, à évoquer des sentiments de nostalgie et de désir pour un lieu et un moment où j’ai autrefois ressenti un profond sentiment d’appartenance ».
Before They Fade
Acrylic on Canvas
100 x 120 cm
Nairobi, Kenya, 2025
“This work is part of a long series of abstract portraits which explore memory, identity, and the passage of time, diving into past connections and the emotions tied to people I once knew. These abstract forms act as gateways into memories, some clear and others faded with time. As I work, I find myself traveling through time, recalling conversations and shared experiences, evoking feelings of nostalgia and longing for a place and time where I once felt a deep sense of belonging.”
Abubakar MOAZ
Coccyx 01
Acrylique sur toile, 17 pièces en bois et 4 tongs
160 x 280 cm
Nairobi, Kenya, 2024
« Tout comme les cimetières, qui symbolisent une vie révolue, ne laissant derrière eux que des tas de poussière qui se ressemblent tous, les tongs sont elles aussi des vestiges, ayant appartenu à quelqu’un qui a vécu une vie ou qui a eu une vie ».
Coccyx 01
Acrylic on Canvas, 17 wooden piece and 4 slippers
160 x 280 cm
Nairobi, Kenya, 2024
“Just like graveyards, which symbolize a life that has passed, leaving behind only heaps of dust that resemble each other, slippers too are remnants, once belonging to someone who lived a life or who had a life.”
Abubakar MOAZ
Coccyx 01
Acrylique sur toile, 17 pièces en bois et 4 tongs
160 x 280 cm
Nairobi, Kenya, 2024
« Tout comme les cimetières, qui symbolisent une vie révolue, ne laissant derrière eux que des tas de poussière qui se ressemblent tous, les tongs sont elles aussi des vestiges, ayant appartenu à quelqu’un qui a vécu une vie ou qui a eu une vie ».
Coccyx 01
Acrylic on Canvas, 17 wooden piece and 4 slippers
160 x 280 cm
Nairobi, Kenya, 2024
“Just like graveyards, which symbolize a life that has passed, leaving behind only heaps of dust that resemble each other, slippers too are remnants, once belonging to someone who lived a life or who had a life.”
Alia AL-SAADI
Ils étaient là
Chorégraphie originale et danseuse interprète
15 min (extrait 3 min 16 s)
Institut supérieur des arts dramatiques, Damas, Syrie, 2024
« Inspirée de la pièce 4.48 Psychose de Sarah Kane, cette performance basée sur le mouvement brouille la frontière entre réalité et hallucination, en suivant une femme atteinte de psychose dont les compagnons imaginaires se dévoilent dans le cadre austère d’un service psychiatrique. À travers une physicalité viscérale, des paysages sonores changeants et une lumière créant la désorientation, la pièce explore l’appartenance, l’isolement et la fragmentation de soi, offrant une méditation obsédante sur la maladie mentale, la perte et les prisons dans lesquelles nous vivons, tant dans notre esprit que dans notre environnement ».
They were there
Original performance and performer
15 min. (extract 03:16 min.)
Higher Institute of Dramatic Arts, Damascus, Syria, 2024
“Inspired by Sarah Kane’s 4.48 Psychosis, this movement-based performance blurs the line between reality and hallucination, following a woman with psychosis whose imagined companions unravel into the stark confines of a psychiatric ward. Through visceral physicality, shifting soundscapes, and disorienting light, the piece explores belonging, isolation, and the fragmentation of self, offering a haunting meditation on mental illness, loss, and the prisons we live in, both within our minds and our environments.”
Alia AL-SAADI
Khadar
Danseuse interprète sous la direction de Rahaf Al Jaber
1 h (extrait 4 min 30 s)
Opéra de Damas, Syrie, 2023
« Khadar n’est pas seulement une performance basée sur le mouvement ; c’est une expérience sensorielle qui incarne l’adaptation forcée au danger, où la douleur devient familière, les tragédies deviennent des scènes récurrentes et la survie devient une autre forme de la perte. J’ai participé à cette production en tant que danseuse, aux côtés d’autres, sous la direction de ma professeure à l’Institut supérieur des arts dramatiques. Les interprètes évoluent dans un espace confiné, piégés dans des rythmes entrelacés qui reflètent le siège, le déplacement et les changements environnementaux. Leurs corps sont dans un état de tension perpétuelle, cherchant l’équilibre dans un monde qui s’effondre, mais ils ne se rendent pas compte qu’ils vivent dans l’abîme même. Au cœur de la performance se trouve un état d’engourdissement psychologique, où l’exposition prolongée à la violence rend le choc inefficace, où l’anxiété et la peur deviennent un état constant, mais dépourvu de sentiment ».
Khadar
Performer under the direction of Rahaf Al Jaber
1 h (extract 04:3O min.)
Damascus Opera House, Syria, 2023
“Khadar is not merely a movement based performance; it is a sensory experience that embodies forced adaptation to danger — where pain becomes familiar, tragedies become recurring scenes, and survival takes on another form of loss. I was a performer in this production, alongside fellow actors, under the direction of my Miss at the Higher Institute of Dramatic Arts. The Performers navigate a confined space, trapped within interwoven rhythms that mirror siege, displacement, and environmental shifts. Their bodies exist in a state of perpetual tension, seeking balance within a collapsing world, yet they remain unaware that they are living within the abyss itself. At the heart of the performance lies a state of psychological numbness — the stage where prolonged exposure to violence renders shock ineffective, where anxiety and fear become a constant state, yet devoid of feeling.
Alia AL-SAADI
Séquence
Chorégraphie originale et danseuse interprète, projet de fin d’études
30 min (extrait 1 min 29 s)
Institut supérieur des arts dramatiques, Damas, Syrie, 2024
« Mêlant l’improvisation gestuelle, la poésie de Yannis Ritsos et le Théâtre de la Cruauté, Séquence aborde les conséquences de la guerre, du déplacement et de la perte. À travers des images saisissantes, des sons fragmentés et une physicalité viscérale, la pièce capture le corps du survivant comme une archive de la destruction et la quête mentale de ce qui reste, remettant en question le sens même de la survie ».
Sequence
Original performance and performer, Graduation project
15 min. (extract 01:29 min.)
Higher Institute of Dramatic Arts, Damascus, Syria, 2024
“Blending movement improvisation with the poetry of Yannis Ritsos and Theatre of Cruelty, Sequence confronts the aftermath of war, displacement, and loss. Through stark imagery, fragmented sound, and visceral physicality, it captures the survivor’s body as an archive of destruction and the mind’s search for what remains, questioning the very meaning of survival.”
Alia AL-SAADI
Trouble
Chorégraphie originale interprétée par une danseuse
13 min (extrait 4 min 33 s)
Institut supérieur des arts dramatiques, Damas, Syrie, 2024
« Exploration viscérale du temps suspendu, Trouble interroge les dimensions psychologiques et existentielles de l’attente sous l’oppression. À travers le théâtre physique, le mouvement et une conception sensorielle immersive, la pièce suit une femme confinée dans un environnement qui déforme sa réalité alors qu’elle attend le retour de son bien-aimé, pour finalement découvrir qu’il est prisonnier de son propre cycle d’absence. La pièce réfléchit à l’appartenance, au lieu et à la perte, dans un contexte où l’enfermement devient une prison à la fois physique et mentale, et où l’attente se transforme en un acte de survie sans fin. Au-delà de son récit, Trouble sert également d’allégorie du déplacement et de l’exil environnemental, faisant écho aux luttes des communautés qui se battent pour la liberté, l’identité et la justice face à l’incertitude ».
Disorder
Original performance, performed by a dancer
13 min. (extract 04:33 min.)
Higher Institute of Dramatic Arts, Damascus, Syria, 2024
“A visceral exploration of time unmoored, Disorder delves into the psychological and existential dimensions of waiting under oppression. Through physical theatre, movement, and an immersive sensory design, it follows a woman confined in an environment that distorts her reality as she awaits the return of her beloved, only to discover he is trapped in his own cycle of absence. The piece reflects on belonging, place, and loss, where confinement becomes both a physical and mental prison, and waiting transforms into an endless act of survival. Resonating beyond its narrative, Disorder also serves as an allegory for displacement and environmental exile, echoing the struggles of communities fighting for freedom, identity, and justice in the face of uncertainty.”
DARWIN CRUZ
Visual artist
Main Award of the 2025 International Contest for Minority Artists
Darwin Cruz (b. 1990) is a Maya Ch’ol artist from Sabanilla, a small town in the northern mountains of Chiapas, Mexico. Cruz’s identity is shaped by two intersecting realities: belonging to an Indigenous Mayan community and being part of the ancestral sexual diversity. Both reflect long histories of discrimination, displacement, and marginalization which profoundly inform Cruz’s artistic practice.
Forced to migrate to be heard, Cruz uses art to denounce the systemic violence faced by Mayan communities – land dispossession, environmental degradation caused by transnational companies, and the impoverishment and erasure of Indigenous peoples. “Each fragment of my canvases, sculptures, and drawings is a space that grants me the freedom to express and expose the injustices my people face: on the one hand, forgotten by the State for not being profitable for tourism, and on the other hand, exploited by companies,” Cruz explains. Cruz’s work reflects on how pollution and waste – now prominent features of the landscape – mirror both environmental destruction and the precarious quality of life imposed on Mayan communities.
Cruz’s use of discarded materials is deliberate and symbolic. By transforming trash and debris into canvases, sculptures, and drawings, Cruz re-signifies waste into spaces of resilience, memory, and healing. Violence has marked Cruz’s life, yet it has also become the root for creative resistance. “Darwin Cruz’s artistic practice profoundly and unapologetically addresses the sociocultural inequities perpetrated on Indigenous and gender-diverse people in Mexico. Cruz’s work is a testament to how marginalized voices survive and resist systemic violence, dispossession, and environmental destruction,” says Alexandra Xanthaki, one of the Judges of the 2025 International Contest for Minority Artists.
For Cruz, art is both a struggle and a sanctuary, a means of defending territory, reclaiming spirituality, and affirming the dignity of Mayan communities. By centering the natural world as a sacred entity and exposing the forces that violate it, Cruz compels audiences to confront the consequences of exploitation while envisioning the possibility of renewal.
DARWIN CRUZ
Artiste plasticien
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Darwin Cruz (né en 1990) est un artiste maya ch’ol originaire de Sabanilla, une petite ville située dans les montagnes du nord du Chiapas, au Mexique. L’identité de Cruz est façonnée par deux réalités qui se recoupent : son appartenance à une communauté autochtone maya d’une part, et à la diversité sexuelle ancestrale d’autre part. Ces deux réalités s’inscrivent dans une longue histoire de discrimination, de déplacement et de marginalisation, qui influencent profondément la pratique artistique de Darwin Cruz.
Contraint de migrer pour se faire entendre, Darwin Cruz utilise l’art pour dénoncer la violence systémique à laquelle sont confrontées les communautés mayas : spoliation des terres, dégradation de l’environnement causée par les entreprises transnationales, appauvrissement et effacement des peuples autochtones. « Chaque fragment de mes toiles, sculptures et dessins est un espace qui me donne la liberté d’exprimer et de dénoncer les injustices auxquelles mon peuple est confronté : d’une part, oublié par l’État parce qu’il n’est pas rentable pour le tourisme et, d’autre part, exploité par les entreprises », explique Darwin Cruz. Le travail de l’artiste reflète la manière dont la pollution et les déchets – désormais omniprésents dans le paysage – reflètent non seulement la destruction de l’environnement, mais également la précarité des conditions de vie imposées aux communautés mayas.
L’utilisation de matériaux usés et jetés est délibérée et symbolique. En transformant les déchets et les débris en toiles, sculptures et dessins, Darwin Cruz leur redonne un sens, les convertissant en espaces de résilience, de mémoire et de guérison. Si la violence a marqué la vie de Darwin Cruz, elle est également devenue la source d’une résistance créative. « La pratique artistique de Darwin Cruz aborde, de manière profonde et sans concession, les inégalités socioculturelles dont sont victimes les peuples autochtones et les personnes de genre divers au Mexique. Le travail de Darwin Cruz témoigne de la manière dont les voix marginalisées survivent et résistent à la violence systémique, à la dépossession et à la destruction de l’environnement », explique Alexandra Xanthaki, l’une des juges du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025.
Pour Darwin Cruz, l’art est à la fois un lieu de combat et de refuge, un moyen de défendre son territoire, de retrouver sa spiritualité et d’affirmer la dignité des communautés mayas. En plaçant le monde naturel – en tant qu’entité sacrée – au centre de ses œuvres et en dénonçant les forces qui le violent, Darwin Cruz oblige le public à affronter les conséquences de l’exploitation, tout en envisageant la possibilité d’un renouveau.
Darwin CRUZ
Corps absent
Huile, gaze, métal sur bois
70 × 70 cm
Jovel, Chiapas, Mexique, 2023
« Cette œuvre s’inscrit dans le contexte de l’altérité au sein des sociétés qui imposent des structures normatives, nous obligeant à agir ou à nous habiller d’une manière qui contredit notre identité ou notre orientation sexuelle afin de passer inaperçus et d’éviter la violence. Cette réalité quotidienne a contraint nombre d’entre nous à migrer vers les espaces urbains, pour y rencontrer les mêmes formes de traitement que celles que nous cherchions à fuir. Dans ce contexte, un esprit de rébellion s’est enraciné en moi, où l’art est devenu le principal outil de force, de critique et de démantèlement du modèle colonial d’oppression qui coule encore dans les veines de nos sociétés ».
Absent Body
Oil, gauze, metal on wood,
70 × 70 cm
Jovel, Chiapas, Mexico, 2023
“This piece arises from the context of otherness within societies that impose normative structures, forcing us to act or dress in ways that contradict our identities or sexual orientations in order to remain unnoticed and avoid violence. This daily reality has compelled many of us to migrate to urban spaces, only to encounter the very same forms of treatment we sought to escape. From this context, a spirit of rebellion rooted in me, where art has become the primary tool for strength, critique, and the dismantling of the colonial model of oppression that still runs through the veins of our societies.”
Darwin CRUZ
Doux poison
Huile, aluminium sur bois
70 × 70 cm
Sabanilla, Chiapas, Mexique, 2023
« Les industries des boissons gazeuses et de la bière ont trouvé dans notre territoire leur principal marché. La richesse qu’elles accumulent quotidiennement, tirée de l’exploitation impitoyable des ressources naturelles dans les communautés autochtones, génère des crises permanentes dans nos écosystèmes. Dans les hautes terres du Chiapas, l’eau est devenue un privilège pour les entreprises, violant le droit fondamental des populations à cette ressource vitale. Les produits qui parviennent aux populations locales compromettent gravement la souveraineté alimentaire et menacent également le système traditionnel maya de la milpa, tout en favorisant la prolifération de maladies qui détériorent la santé des familles. Ces produits issus de ce qu’on appelle le “privilège de la consommation et le capitalisme” nous privent non seulement de nos liens communautaires, mais aussi de nos valeurs symboliques, historiques et esthétiques ».
Sweet Poison
Oil, aluminium on wood
70 × 70 cm
Sabanilla, Chiapas, Mexico, 2023
“Soft drink and beer industries have found in our territory their principal market. The wealth they accumulate daily, drawn from the ruthless exploitation of natural resources in Indigenous communities, generates ongoing crises in our ecosystems. In the highlands of Chiapas, water has become a privilege for corporations, violating the people’s fundamental right to this vital resource. The products that reach local populations not only gravely undermine food sovereignty, but also threaten the traditional Maya milpa system, while proliferating diseases that deteriorate family health. These products of so-called ‘consumer privilege and capitalism’ strip us not only of community bonds, but also of symbolic, historical, and aesthetic values.”
Darwin CRUZ
Doux poison
Huile, aluminium sur bois
70 × 70 cm
Sabanilla, Chiapas, Mexique, 2023
« Les industries des boissons gazeuses et de la bière ont trouvé dans notre territoire leur principal marché. La richesse qu’elles accumulent quotidiennement, tirée de l’exploitation impitoyable des ressources naturelles dans les communautés autochtones, génère des crises permanentes dans nos écosystèmes. Dans les hautes terres du Chiapas, l’eau est devenue un privilège pour les entreprises, violant le droit fondamental des populations à cette ressource vitale. Les produits qui parviennent aux populations locales compromettent gravement la souveraineté alimentaire et menacent également le système traditionnel maya de la milpa, tout en favorisant la prolifération de maladies qui détériorent la santé des familles. Ces produits issus de ce qu’on appelle le “privilège de la consommation et le capitalisme” nous privent non seulement de nos liens communautaires, mais aussi de nos valeurs symboliques, historiques et esthétiques ».
Sweet Poison
Oil, aluminium on wood
70 × 70 cm
Sabanilla, Chiapas, Mexico, 2023
“Soft drink and beer industries have found in our territory their principal market. The wealth they accumulate daily, drawn from the ruthless exploitation of natural resources in Indigenous communities, generates ongoing crises in our ecosystems. In the highlands of Chiapas, water has become a privilege for corporations, violating the people’s fundamental right to this vital resource. The products that reach local populations not only gravely undermine food sovereignty, but also threaten the traditional Maya milpa system, while proliferating diseases that deteriorate family health. These products of so-called ‘consumer privilege and capitalism’ strip us not only of community bonds, but also of symbolic, historical, and aesthetic values.”
EMANOEL SARAVÁ
Visual and photo-performance artist
Honorable Mention of the 2025 International Contest for Minority Artists
Emanoel Saravá (b.1998) is a non-binary Brazilian visual artist of Black and Indigenous heritage. Their practice investigates the marginal and subversive expressions of the Black body in society, while simultaneously reclaiming Afro-Indigenous ancestry as a process of self-awareness and collective memory. Rooted in lived experiences of environmental racism – including the flooding of their childhood home –, Saravá’s work reflects on the intersections of marginality, resistance, and environmental justice.
Through their ongoing project Águas Marginais (Marginal Waters), Saravá explores water as both a sacred and contested element, at once life-giving and marked by exploitation, abandonment and erasure. Using photo-performances staged in Salvador’s historic fountains, such as the Fonte do Chega Nego, the artist’s body inhabits these urban waters, transforming them into ritual sites of remembrance and resistance. “The waters carry the memory of Black and peripheral communities,” Saravá explains, “but they also bear the scars of environmental racism, climate change, and neglect.”
By re-signifying these spaces through embodied performance, Águas Marginais exposes the violence of urban speculation and environmental degradation, while affirming water as a medium of ancestry, resilience, and belonging. The artwork is situated at the crossroads of memory, territory, and environmental justice, foregrounding how marginalized communities are disproportionately affected by ecological destruction and denied their right to space, culture, and dignity.
For Emanoel Saravá, art is a form of ritual and resistance, transforming water into both witness and mirror of history. Their practice amplifies silenced narratives, challenging viewers to recognize the links between environmental collapse and systemic inequality, and calling for a collective reimagining of belonging in the face of loss.
EMANOEL SARAVÁ
Artiste plasticien et photographe-performeur
Mention Honorable du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Emanoel Saravá (né en 1998) est un artiste pluridisciplinaire brésilien non binaire d’origine afrodescendante et autochtone. Sa pratique explore les expressions marginales et subversives du corps noir dans la société, tout en revendiquant l’ascendance afro-autochtone comme un processus de conscience de soi et de mémoire collective. Ancrée dans des expériences vécues de racisme environnemental – notamment l’inondation de la maison de son enfance –, l’œuvre d’Emanoel Saravá propose une réflexion quant aux intersections entre marginalité, résistance et justice environnementale.
À travers son projet en cours Águas Marginais (Eaux Marginales), Emanoel Saravá explore l’eau comme un élément à la fois sacré et contesté, source de vie mais également marqué par l’exploitation, l’abandon et l’effacement. Dans le cadre de performances photographiques mises en scène dans les fontaines historiques de Salvador, telles que la Fonte do Chega Nego, le corps de l’artiste habite les eaux urbaines, les transformant en lieux rituels de mémoire et de résistance. « Les eaux portent la mémoire des communautés noires et périphériques, mais elles gardent également les cicatrices du racisme environnemental, du changement climatique et de la négligence », explique Emanoel Saravá.
En redonnant un sens à ces espaces à travers une performance incarnée, Águas Marginais dénonce la violence de la spéculation urbaine et de la dégradation environnementale, tout en affirmant la place de l’eau comme un vecteur d’ancrage, de résilience et d’appartenance. Son œuvre se situe à la croisée de la mémoire, du territoire et de la justice environnementale, mettant en avant la façon dont les communautés marginalisées sont touchées de manière disproportionnée par la destruction écologique et privées de leur droit à l’espace, à la culture et à la dignité.
Pour Emanoel Saravá, l’art est une forme de rituel et de résistance, transformant l’eau en témoin et en miroir de l’histoire. Sa pratique amplifie les récits passés sous silence, incitant les spectateurs et spectatrices à reconnaître les liens entre l’effondrement environnemental et les inégalités systémiques, et appelant à une réimagination collective de l’appartenance face à la perte.
Emanoel SARAVÁ
Lamouro
Installation
Tissus, aluminium, or, argile, eau, terre
220 x 220 x 220 cm
Salvador, Bahia, Brésil, 2024
« L’œuvre de Lamouro est une pièce politique née de l’activation des souvenirs d’enfance, en particulier des inondations les jours de fortes pluies où je suis né à Paripe, un territoire “périphérique” du Salvador profondément marqué par la violence du racisme environnemental et dont les blessures se révèlent à chaque tempête. L’installation est créée à partir de boue et de vase, des substances qui portent en elles la mémoire des rivières, de la terre et des histoires submergées. L’œuvre active les cycles du deuil, de la renaissance et du respect ancestral à travers une matière alchimique ».
Lamouro
Installation
Fabric, aluminium, gold, clay, water, earth
220 x 220 x 220 cm
Salvador, Bahia, Brazil, 2024
“Lamouro’s work is a political piece born from the activation of childhood memories marked by floods on days of heavy rain where I was born in Paripe, a ‘peripheral’ territory of Salvador deeply marked by the violence of environmental racism, and where its wounds are revealed with every storm. The installation is created from mud and sludge — substances that carry the memory of rivers, the earth, and submerged histories. The work activates the cycles of mourning, rebirth, and ancestral respect through alchemical matter.”
Emanoel SARAVÁ
Águas Marginais [Marginal Waters]
Production, photography and artistic direction
Photo-performances and video-performances
Salvador, Bahia, Brazil, 2023
Águas Marginais is a series of photo-performances and video-performances that traverse the peripheral territories of Salvador, revealing water as a silent witness to the memories, pain, and resistance inscribed in bodies and along the margins. Created in fountains such as Fonte da Bica (Gamboa) and Fonte do Chega Nego (Ondina), the work proposes a ritual listening to the waters that flow through racialized and marginalized communities, treating them as ancestral tears that run between the city’s concrete and the bodies that survive within it.
Fonte da Bica
Direction, editing, sound mixing: Oderiê Chayúa
Performer: Ricardo Boa Sorte
12:51 min.
Gamboa de Baixo, Salvador, Bahia, Brazil, 2023
Fonte do Chega Nego
Direction, editing, sound mixing: Oderiê Chayúa
Performer: Quilomba Zu
08:00 min.
Ondina, Salvador, Bahia, Brazil, 2023
Fonte Nova
Direction, editing, sound mixing: Oderiê Chayúa
Performer: Joseh Jará
07:47 min.
Vasco da Gama Avenue, Salvador, Bahia, Brazil, 2023
Emanoel SARAVÁ
Águas Marginais [Eaux marginales]
Production, photographie et direction artistique
Photo-performances et vidéo-performances
Salvador, Bahia, Brésil 2023
« Águas Marginais est une série de photo-performances et de vidéo-performances qui traversent les territoires périphériques de Salvador, révélant l’eau comme un témoin silencieux des souvenirs, de la douleur et de la résistance inscrits dans les corps et le long des marges. Créée dans des fontaines telles que Fonte da Bica (Gamboa) et Fonte do Chega Nego (Ondina), l’œuvre propose un rituel d’écoute des eaux qui coulent à travers les communautés racisées et marginalisées, les traitant comme des larmes ancestrales qui coulent entre le béton de la ville et les corps qui y survivent ».
Fonte da Bica
Réalisation, montage, mixage sonore: Oderiê Chayúa
Performeur: Ricardo Boa Sorte
12 min 51 s
Gamboa de Baixo, Salvador, Bahia, Brésil, 2023
Fonte do Chega Nego
Réalisation, montage, mixage sonore: Oderiê Chayúa
Performeur: Quilomba Zu
8 min
Ondina, Salvador, Bahia, Brésil, 2023
Fonte Nova
Réalisation, montage, mixage sonore: Oderiê Chayúa
Performeur: Joseh Jará
7 min 47 s
Avenue Vasco da Gama, Salvador, Bahia, Brésil, 2023
Emanoel SARAVÁ
Águas Marginais [Marginal Waters]
Production, photography and artistic direction
Photo-performances and video-performances
Salvador, Bahia, Brazil, 2023
Águas Marginais is a series of photo-performances and video-performances that traverse the peripheral territories of Salvador, revealing water as a silent witness to the memories, pain, and resistance inscribed in bodies and along the margins. Created in fountains such as Fonte da Bica (Gamboa) and Fonte do Chega Nego (Ondina), the work proposes a ritual listening to the waters that flow through racialized and marginalized communities, treating them as ancestral tears that run between the city’s concrete and the bodies that survive within it.
Fonte da Bica
Direction, editing, sound mixing: Oderiê Chayúa
Performer: Ricardo Boa Sorte
12:51 min.
Gamboa de Baixo, Salvador, Bahia, Brazil, 2023
Fonte do Chega Nego
Direction, editing, sound mixing: Oderiê Chayúa
Performer: Quilomba Zu
08:00 min.
Ondina, Salvador, Bahia, Brazil, 2023
Fonte Nova
Direction, editing, sound mixing: Oderiê Chayúa
Performer: Joseh Jará
07:47 min.
Vasco da Gama Avenue, Salvador, Bahia, Brazil, 2023
Emanoel SARAVÁ
Águas Marginais [Eaux marginales]
Production, photographie et direction artistique
Photo-performances et vidéo-performances
Salvador, Bahia, Brésil 2023
« Águas Marginais est une série de photo-performances et de vidéo-performances qui traversent les territoires périphériques de Salvador, révélant l’eau comme un témoin silencieux des souvenirs, de la douleur et de la résistance inscrits dans les corps et le long des marges. Créée dans des fontaines telles que Fonte da Bica (Gamboa) et Fonte do Chega Nego (Ondina), l’œuvre propose un rituel d’écoute des eaux qui coulent à travers les communautés racisées et marginalisées, les traitant comme des larmes ancestrales qui coulent entre le béton de la ville et les corps qui y survivent ».
Fonte da Bica
Réalisation, montage, mixage sonore: Oderiê Chayúa
Performeur: Ricardo Boa Sorte
12 min 51 s
Gamboa de Baixo, Salvador, Bahia, Brésil, 2023
Fonte do Chega Nego
Réalisation, montage, mixage sonore: Oderiê Chayúa
Performeur: Quilomba Zu
8 min
Ondina, Salvador, Bahia, Brésil, 2023
Fonte Nova
Réalisation, montage, mixage sonore: Oderiê Chayúa
Performeur: Joseh Jará
7 min 47 s
Avenue Vasco da Gama, Salvador, Bahia, Brésil, 2023
KHEDER ABDULKARIM
Visual artist
Honorable Mention of the 2025 International Contest for Minority Artists
Kheder Abdulkarim (b. 1967) is a Kurdish-Syrian visual artist and human rights activist whose work reflects the lived realities of political persecution, imprisonment, exile, and resilience. In 1987, just two months after enrolling at the Fine Arts Academy in Syria, he was arrested by Syrian intelligence for alleged political activities and spent nearly six years in the notorious Saydnaya Prison. It was there, under extreme conditions, that his artistic journey began, as he carved small sculptures from vegetable crates with handmade tools.
Upon his release in 1993, Abdulkarim continued to develop his practice as a self-taught artist, holding twelve solo exhibitions across Syria between 1996 and 2011, including a charity exhibition in support of children with disabilities. His commitment to human rights paralleled his art: from 2002 to 2012, he volunteered with the Committees for the Defense of Democratic Freedoms and Human Rights in Syria, and later engaged in conflict resolution and legal advocacy. In 2013, facing persecution from both the Assad regime and extremist groups, he fled Syria. Since 2014, he has lived and worked in Germany, where he is an artist at Atelier Scholle 51 and continues his human rights work with the Kurdish Center for Legal Studies (YASA), representing it at the United Nations Forum on Minority Issues in Geneva in 2018 and 2019.
His artworks confront themes of war, dictatorship, displacement, and cultural erasure, particularly focusing on the oppression of the Kurdish people. Rich in symbolism and lyrical in execution, his paintings transform trauma into a universal testimony of endurance and dignity. “My goal,” he explains, “is to create a safe and stable environment free from repression and human rights violations. Through art, I raise awareness and build bridges between communities, promoting tolerance and rejecting hate.”
Abdulkarim has presented seven solo exhibitions in Germany and participated in more than 20 group exhibitions across Europe. His works have become both deeply personal memorials of suffering and powerful calls for justice, accountability, and reconciliation. “They remind us that even amid the ruins, there is an unending quest for freedom and humanity,” says Dr. Anna Mirga-Kruszelnicka, one of the Judges of the 2025 International Contest for Minority Artists.
KHEDER ABDULKARIM
Artiste peintre
Mention Honorable du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Kheder Abdulkarim (né en 1967) est un artiste peintre et militant des droits humains kurde-syrien dont l’œuvre reflète les réalités vécues de la persécution politique, de l’emprisonnement, de l’exil et de la résilience. En 1987, deux mois seulement après son inscription à l’Académie des beaux-arts de Syrie, il est arrêté par les services de renseignement syriens pour des activités politiques présumées et passe près de six ans dans la tristement célèbre prison de Saydnaya. Dans ces conditions extrêmes, son parcours artistique commence : il réalise alors de petites sculptures à partir de caisses de légumes avec des outils faits à la main.
À sa libération en 1993, Kheder Abdulkarim continue à développer sa pratique en tant qu’artiste autodidacte, organisant douze expositions individuelles à travers la Syrie entre 1996 et 2011, dont une exposition caritative en faveur des enfants handicapés. Son engagement pour les droits humains va de pair avec sa pratique artistique : entre 2002 à 2012, il est bénévole au sein des Comités pour la défense des libertés démocratiques et des droits humains en Syrie, puis s’engage dans la résolution des conflits et la défense juridique. En 2013, confronté à la persécution du régime d’Assad et des groupes extrémistes, il fuit la Syrie. Depuis 2014, il vit et travaille en Allemagne, où il est artiste à l’Atelier Scholle 51 et poursuit son travail en faveur des droits humains avec le Centre kurde d’études juridiques (YASA), qu’il a représenté au Forum des Nations Unies sur les questions relatives aux minorités à Genève en 2018 et 2019.
Ses œuvres abordent les thèmes de la guerre, de la dictature, du déplacement et de l’effacement culturel, en mettant particulièrement l’accent sur l’oppression du peuple kurde. Riches en symbolisme et lyriques dans leur exécution, ses peintures transforment le traumatisme en un témoignage universel d’endurance et de dignité. « Mon objectif est de créer un environnement sûr et stable, exempt de répression et de violations des droits humains. À travers l’art, je sensibilise le public et construit des ponts entre les communautés, en promouvant la tolérance et en rejetant la haine », explique-t-il.
Kheder Abdulkarim a présenté sept expositions individuelles en Allemagne et participé à plus de vingt expositions collectives à travers l’Europe. Ses œuvres sont devenues des mémoriaux profondément personnels de la souffrance et des appels puissants à la justice, à la responsabilité et à la réconciliation. « Elles nous rappellent que même au milieu des ruines, la quête de liberté et d'humanité est sans fin », note Anna Mirga-Kruszelnicka, l’une des juges du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025.
KHEDER ABDULKARIM
Visual artist
Honorable Mention of the 2025 International Contest for Minority Artists
Kheder Abdulkarim (b. 1967) is a Kurdish-Syrian visual artist and human rights activist whose work reflects the lived realities of political persecution, imprisonment, exile, and resilience. In 1987, just two months after enrolling at the Fine Arts Academy in Syria, he was arrested by Syrian intelligence for alleged political activities and spent nearly six years in the notorious Saydnaya Prison. It was there, under extreme conditions, that his artistic journey began, as he carved small sculptures from vegetable crates with handmade tools.
Upon his release in 1993, Abdulkarim continued to develop his practice as a self-taught artist, holding twelve solo exhibitions across Syria between 1996 and 2011, including a charity exhibition in support of children with disabilities. His commitment to human rights paralleled his art: from 2002 to 2012, he volunteered with the Committees for the Defense of Democratic Freedoms and Human Rights in Syria, and later engaged in conflict resolution and legal advocacy. In 2013, facing persecution from both the Assad regime and extremist groups, he fled Syria. Since 2014, he has lived and worked in Germany, where he is an artist at Atelier Scholle 51 and continues his human rights work with the Kurdish Center for Legal Studies (YASA), representing it at the United Nations Forum on Minority Issues in Geneva in 2018 and 2019.
His artworks confront themes of war, dictatorship, displacement, and cultural erasure, particularly focusing on the oppression of the Kurdish people. Rich in symbolism and lyrical in execution, his paintings transform trauma into a universal testimony of endurance and dignity. “My goal,” he explains, “is to create a safe and stable environment free from repression and human rights violations. Through art, I raise awareness and build bridges between communities, promoting tolerance and rejecting hate.”
Abdulkarim has presented seven solo exhibitions in Germany and participated in more than 20 group exhibitions across Europe. His works have become both deeply personal memorials of suffering and powerful calls for justice, accountability, and reconciliation. “They remind us that even amid the ruins, there is an unending quest for freedom and humanity,” says Dr. Anna Mirga-Kruszelnicka, one of the Judges of the 2025 International Contest for Minority Artists.
KHEDER ABDULKARIM
Artiste peintre
Mention Honorable du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Kheder Abdulkarim (né en 1967) est un artiste peintre et militant des droits humains kurde-syrien dont l’œuvre reflète les réalités vécues de la persécution politique, de l’emprisonnement, de l’exil et de la résilience. En 1987, deux mois seulement après son inscription à l’Académie des beaux-arts de Syrie, il est arrêté par les services de renseignement syriens pour des activités politiques présumées et passe près de six ans dans la tristement célèbre prison de Saydnaya. Dans ces conditions extrêmes, son parcours artistique commence : il réalise alors de petites sculptures à partir de caisses de légumes avec des outils faits à la main.
À sa libération en 1993, Kheder Abdulkarim continue à développer sa pratique en tant qu’artiste autodidacte, organisant douze expositions individuelles à travers la Syrie entre 1996 et 2011, dont une exposition caritative en faveur des enfants handicapés. Son engagement pour les droits humains va de pair avec sa pratique artistique : entre 2002 à 2012, il est bénévole au sein des Comités pour la défense des libertés démocratiques et des droits humains en Syrie, puis s’engage dans la résolution des conflits et la défense juridique. En 2013, confronté à la persécution du régime d’Assad et des groupes extrémistes, il fuit la Syrie. Depuis 2014, il vit et travaille en Allemagne, où il est artiste à l’Atelier Scholle 51 et poursuit son travail en faveur des droits humains avec le Centre kurde d’études juridiques (YASA), qu’il a représenté au Forum des Nations Unies sur les questions relatives aux minorités à Genève en 2018 et 2019.
Ses œuvres abordent les thèmes de la guerre, de la dictature, du déplacement et de l’effacement culturel, en mettant particulièrement l’accent sur l’oppression du peuple kurde. Riches en symbolisme et lyriques dans leur exécution, ses peintures transforment le traumatisme en un témoignage universel d’endurance et de dignité. « Mon objectif est de créer un environnement sûr et stable, exempt de répression et de violations des droits humains. À travers l’art, je sensibilise le public et construit des ponts entre les communautés, en promouvant la tolérance et en rejetant la haine », explique-t-il.
Kheder Abdulkarim a présenté sept expositions individuelles en Allemagne et participé à plus de vingt expositions collectives à travers l’Europe. Ses œuvres sont devenues des mémoriaux profondément personnels de la souffrance et des appels puissants à la justice, à la responsabilité et à la réconciliation. « Elles nous rappellent que même au milieu des ruines, la quête de liberté et d'humanité est sans fin », note Anna Mirga-Kruszelnicka, l’une des juges du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025.
Kheder ABDULKARIM
Carnets de la prison de Saidnaya
Peinture acrylique avec techniques mixtes, collage, sable, gypse et colle sur toile
140 × 140 cm
Potsdam, Allemagne, 2015
« Cette œuvre reflète la vie quotidienne des prisonniers à l’intérieur de la prison de Saidnaya, d’après ma propre expérience et mes observations personnelles. Elle illustre des scènes de torture, telles que des coups sur les pieds, et le désir de liberté des prisonniers, visible dans leurs yeux. La peinture montre également comment nous avons trouvé des moyens de résister et de nous accrocher à la vie : à travers le dessin, la créativité et des actes symboliques d’expression personnelle qui nous rappelaient que nous étions encore en vie ».
Diaries of Saidnaya Prison
Acrylic paint with mixed media, collage, sand, gypsum, and glue on canvas
140 × 140 cm
Potsdam, Germany, 2015
“This piece reflects the daily life of prisoners inside Saidnaya Prison, based on my own personal experience and observations. It illustrates scenes of torture — such as beatings on the feet — and the prisoners’ longing for freedom, visible in their eyes. The painting also captures how we found ways to resist and hold on to life: through drawing, creativity, and symbolic acts of self-expression that reminded us we were still alive.”
Kheder ABDULKARIM
Carnets de la prison de Saidnaya
Peinture acrylique avec techniques mixtes, collage, sable, gypse et colle sur toile
140 × 140 cm
Potsdam, Allemagne, 2015
« Cette œuvre reflète la vie quotidienne des prisonniers à l’intérieur de la prison de Saidnaya, d’après ma propre expérience et mes observations personnelles. Elle illustre des scènes de torture, telles que des coups sur les pieds, et le désir de liberté des prisonniers, visible dans leurs yeux. La peinture montre également comment nous avons trouvé des moyens de résister et de nous accrocher à la vie : à travers le dessin, la créativité et des actes symboliques d’expression personnelle qui nous rappelaient que nous étions encore en vie ».
Diaries of Saidnaya Prison
Acrylic paint with mixed media, collage, sand, gypsum, and glue on canvas
140 × 140 cm
Potsdam, Germany, 2015
“This piece reflects the daily life of prisoners inside Saidnaya Prison, based on my own personal experience and observations. It illustrates scenes of torture — such as beatings on the feet — and the prisoners’ longing for freedom, visible in their eyes. The painting also captures how we found ways to resist and hold on to life: through drawing, creativity, and symbolic acts of self-expression that reminded us we were still alive.”
Kheder ABDULKARIM
Dortoir n° 9 – « Branche Palestine »
Peinture acrylique, sable, gypse et colle sur toile
130 × 135 cm
Potsdam, Allemagne, 2015
« Ce tableau représente la période d’interrogatoire que j’ai endurée dans la “branche Palestine”, un centre de renseignement militaire tristement célèbre à Damas. Il était connu pour ses méthodes de torture inhumaines. Ce qui m’a le plus marqué, ce sont les pieds : des pieds écrasés, ensanglantés, ligotés, enflés, enveloppés dans des tissus. La nuit, nous posions notre tête sur les pieds des autres pour dormir. Cette œuvre est un souvenir obsédant de ces moments ».
Dormitory No. 9 – “Palestine Branch”
Acrylic paint, sand, gypsum, and glue
130 × 135 cm
Potsdam, Germany, 2015
“This painting represents the interrogation period I endured at the ‘Palestine Branch’, a notorious military intelligence facility in Damascus. It was infamous for its inhumane methods of torture. What left the strongest impression on me were the feet — crushed feet, bleeding feet, tied feet, swollen feet, feet wrapped in cloth. At night, we would rest our heads on each other’s feet to sleep. This piece is a haunting recollection of those moments.”
Kheder ABDULKARIM
Dortoir n° 9 – « Branche Palestine »
Peinture acrylique, sable, gypse et colle sur toile
130 × 135 cm
Potsdam, Allemagne, 2015
« Ce tableau représente la période d’interrogatoire que j’ai endurée dans la “branche Palestine”, un centre de renseignement militaire tristement célèbre à Damas. Il était connu pour ses méthodes de torture inhumaines. Ce qui m’a le plus marqué, ce sont les pieds : des pieds écrasés, ensanglantés, ligotés, enflés, enveloppés dans des tissus. La nuit, nous posions notre tête sur les pieds des autres pour dormir. Cette œuvre est un souvenir obsédant de ces moments ».
Dormitory No. 9 – “Palestine Branch”
Acrylic paint, sand, gypsum, and glue
130 × 135 cm
Potsdam, Germany, 2015
“This painting represents the interrogation period I endured at the ‘Palestine Branch’, a notorious military intelligence facility in Damascus. It was infamous for its inhumane methods of torture. What left the strongest impression on me were the feet — crushed feet, bleeding feet, tied feet, swollen feet, feet wrapped in cloth. At night, we would rest our heads on each other’s feet to sleep. This piece is a haunting recollection of those moments.”
Kheder ABDULKARIM
Dortoir n° 9 – « Branche Palestine »
Peinture acrylique, sable, gypse et colle sur toile
130 × 135 cm
Potsdam, Allemagne, 2015
« Ce tableau représente la période d’interrogatoire que j’ai endurée dans la “branche Palestine”, un centre de renseignement militaire tristement célèbre à Damas. Il était connu pour ses méthodes de torture inhumaines. Ce qui m’a le plus marqué, ce sont les pieds : des pieds écrasés, ensanglantés, ligotés, enflés, enveloppés dans des tissus. La nuit, nous posions notre tête sur les pieds des autres pour dormir. Cette œuvre est un souvenir obsédant de ces moments ».
Dormitory No. 9 – “Palestine Branch”
Acrylic paint, sand, gypsum, and glue
130 × 135 cm
Potsdam, Germany, 2015
“This painting represents the interrogation period I endured at the ‘Palestine Branch’, a notorious military intelligence facility in Damascus. It was infamous for its inhumane methods of torture. What left the strongest impression on me were the feet — crushed feet, bleeding feet, tied feet, swollen feet, feet wrapped in cloth. At night, we would rest our heads on each other’s feet to sleep. This piece is a haunting recollection of those moments.”
Kheder ABDULKARIM
Kobani – Syrie : Le début de la guerre et la fin de la révolution
Peinture à l’huile avec techniques mixtes, collage, sable, gypse et colle sur toile
140 × 140 cm
Potsdam, Allemagne, 2015
« Ce tableau représente l’attaque brutale perpétrée par les terroristes de Daech contre la ville kurde de Kobani. Ils ont semé le chaos : ils ont tué des civils, contraint les enfants et les personnes âgées à fuir et tout détruit sur leur passage, tant la nature que les infrastructures. Face à cette dévastation, les combattants de la résistance kurde, hommes et femmes, ont fait preuve d’un courage et d’une résilience extraordinaires. Leur résistance héroïque contre le terrorisme a donné au nom “Kobani” une signification symbolique mondiale, celle d’un phare de la résistance ».
Kobani – Syria: The Beginning of War and the End of the Revolution
Oil paint with mixed media, collage, sand, gypsum, and glue on canvas
140 × 140 cm
Potsdam, Germany, 2015
“This painting depicts the brutal attack by ISIS terrorists on the Kurdish city of Kobani. They wreaked havoc: killing civilians, forcing children and the elderly to flee, and destroying everything — both nature and infrastructure. In the face of this devastation, Kurdish resistance fighters, both women and men, displayed extraordinary courage and resilience. Their heroic stand against terrorism gave the name ‘Kobani’ symbolic global significance as a beacon of resistance.“This painting depicts the brutal attack by ISIS terrorists on the Kurdish city of Kobani. They wreaked havoc: killing civilians, forcing children and the elderly to flee, and destroying everything — both nature and infrastructure. In the face of this devastation, Kurdish resistance fighters, both women and men, displayed extraordinary courage and resilience. Their heroic stand against terrorism gave the name ‘Kobani’ symbolic global significance as a beacon of resistance."
Kheder ABDULKARIM
Kobani – Syrie : Le début de la guerre et la fin de la révolution
Peinture à l’huile avec techniques mixtes, collage, sable, gypse et colle sur toile
140 × 140 cm
Potsdam, Allemagne, 2015
« Ce tableau représente l’attaque brutale perpétrée par les terroristes de Daech contre la ville kurde de Kobani. Ils ont semé le chaos : ils ont tué des civils, contraint les enfants et les personnes âgées à fuir et tout détruit sur leur passage, tant la nature que les infrastructures. Face à cette dévastation, les combattants de la résistance kurde, hommes et femmes, ont fait preuve d’un courage et d’une résilience extraordinaires. Leur résistance héroïque contre le terrorisme a donné au nom “Kobani” une signification symbolique mondiale, celle d’un phare de la résistance ».
Kobani – Syria: The Beginning of War and the End of the Revolution
Oil paint with mixed media, collage, sand, gypsum, and glue on canvas
140 × 140 cm
Potsdam, Germany, 2015
“This painting depicts the brutal attack by ISIS terrorists on the Kurdish city of Kobani. They wreaked havoc: killing civilians, forcing children and the elderly to flee, and destroying everything — both nature and infrastructure. In the face of this devastation, Kurdish resistance fighters, both women and men, displayed extraordinary courage and resilience. Their heroic stand against terrorism gave the name ‘Kobani’ symbolic global significance as a beacon of resistance.“This painting depicts the brutal attack by ISIS terrorists on the Kurdish city of Kobani. They wreaked havoc: killing civilians, forcing children and the elderly to flee, and destroying everything — both nature and infrastructure. In the face of this devastation, Kurdish resistance fighters, both women and men, displayed extraordinary courage and resilience. Their heroic stand against terrorism gave the name ‘Kobani’ symbolic global significance as a beacon of resistance."
Kheder ABDULKARIM
Kobani – Syrie : Le début de la guerre et la fin de la révolution
Peinture à l’huile avec techniques mixtes, collage, sable, gypse et colle sur toile
140 × 140 cm
Potsdam, Allemagne, 2015
« Ce tableau représente l’attaque brutale perpétrée par les terroristes de Daech contre la ville kurde de Kobani. Ils ont semé le chaos : ils ont tué des civils, contraint les enfants et les personnes âgées à fuir et tout détruit sur leur passage, tant la nature que les infrastructures. Face à cette dévastation, les combattants de la résistance kurde, hommes et femmes, ont fait preuve d’un courage et d’une résilience extraordinaires. Leur résistance héroïque contre le terrorisme a donné au nom “Kobani” une signification symbolique mondiale, celle d’un phare de la résistance ».
Kobani – Syria: The Beginning of War and the End of the Revolution
Oil paint with mixed media, collage, sand, gypsum, and glue on canvas
140 × 140 cm
Potsdam, Germany, 2015
“This painting depicts the brutal attack by ISIS terrorists on the Kurdish city of Kobani. They wreaked havoc: killing civilians, forcing children and the elderly to flee, and destroying everything — both nature and infrastructure. In the face of this devastation, Kurdish resistance fighters, both women and men, displayed extraordinary courage and resilience. Their heroic stand against terrorism gave the name ‘Kobani’ symbolic global significance as a beacon of resistance.“This painting depicts the brutal attack by ISIS terrorists on the Kurdish city of Kobani. They wreaked havoc: killing civilians, forcing children and the elderly to flee, and destroying everything — both nature and infrastructure. In the face of this devastation, Kurdish resistance fighters, both women and men, displayed extraordinary courage and resilience. Their heroic stand against terrorism gave the name ‘Kobani’ symbolic global significance as a beacon of resistance."
LINDXEE COLLINS
Visual artist
Youth Minority Artist Award of the 2025 International Contest for Minority Artists
Lindxee Collins (b. 2005) is a Jamaican minority artist in Barbados and a law student whose practice bridges creativity and advocacy. Working under the alias Coloured by Justice, she explores the intersections of art and law as a means of driving conversations on justice, structural inequality, and social change.
As member of a national minority in Barbados, Collins has collaborated with the UN World Food Programme, the Truth Be Told Campaign for Climate Change, and Jamaicans for Justice, engaging issues of climate justice and gender equity. More recently, through her partnership with the Caribbean Culture Fund and Call Barbados, her work has turned toward the legacies of Caribbean history, reparative justice, and identity.
“My vision is to highlight the perpetuation of structural racism on a global scale and its direct links to historical injustice. Through visual art, I seek to spark critical dialogue on how these histories inform present inequalities, particularly in relation to climate change,” she explains. Two of her works for this contest, entitled Harvest of Memory and Passage, explore belonging as an interstitial condition: for Caribbean peoples historically detached from land, place was often constructed mentally or spiritually; today, it remains fraught with the layered realities of postcolonialism and industrialization. Both pieces feature somber female figures, evoking loss, displacement, and environmental dispossession while also embodying resilience.
For Collins, art is a platform for advocacy, an accessible language capable of challenging dominant historical narratives, visualizing justice, and advancing reparatory calls for belonging, land, and recognition. Her practice insists that reparations must extend beyond compensation to encompass cultural restoration, environmental stewardship, and the right to dignity for displaced communities worldwide.
LINDXEE COLLINS
Artiste peintre
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025 : catégorie jeunesse
Lindxee Collins (née en 2005) est une artiste jamaïcaine vivant à la Barbade et une étudiante en droit, dont la pratique allie créativité et militantisme. Sous le pseudonyme Coloured by Justice, elle explore les intersections entre l’art et le droit afin de provoquer des débats sur la justice, les inégalités structurelles et le changement social.
En tant que membre d’une minorité nationale à la Barbade, Lindxee Collins a collaboré avec le Programme alimentaire mondial des Nations Unies, la campagne Truth Be Told concernant le changement climatique et Jamaicans for Justice, s’engageant ainsi sur les questions de justice climatique et d’égalité de genre. Plus récemment, grâce à son partenariat avec le Caribbean Culture Fund et Call Barbados, son travail s’est orienté vers l’héritage de l’histoire des Caraïbes, la justice réparatrice et l’identité.
« Ma vision consiste à mettre en évidence la perpétuation du racisme structurel à l’échelle globale et ses liens directs avec l’injustice historique. À travers les arts visuels, je cherche à susciter un dialogue critique sur la manière dont ces histoires influencent les inégalités actuelles, notamment en relation avec le changement climatique », explique-t-elle. Deux de ses œuvres présentées dans le cadre de ce concours, intitulées Harvest of Memory et Passage, explorent l’appartenance comme une condition interstitielle : pour les peuples des Caraïbes historiquement détachés de la terre, le lieu s’est souvent construit mentalement ou spirituellement ; aujourd’hui, il reste chargé des réalités complexes du postcolonialisme et de l’industrialisation. Les deux œuvres mettent en scène des figures féminines sombres, évoquant la perte, le déplacement et la dépossession environnementale, tout en incarnant la résilience.
Pour Lindxee Collins, l’art est une plateforme de militantisme, un langage accessible capable de remettre en question les récits historiques dominants, de visualiser la justice et de faire avancer les appels à la réparation en matière d’appartenance, de terre et de reconnaissance. Sa pratique artistique insiste sur l’idée que les réparations doivent aller au-delà de l’indemnisation pour englober la restauration culturelle, la gestion environnementale et le droit à la dignité des communautés déplacées dans le monde entier.
LINDXEE COLLINS
Herméneutique du soupçon
Acrylique sur toile
6” x 20” (40 x 51 cm)
Juin 2025, Montego Bay, Jamaïque
« Cette œuvre reconnaît que la législation et les décisions judiciaires ont historiquement privé les femmes et les filles de la région des Caraïbes de leurs droits et, en fait, les ont “dégradées”. Elle cherche donc à dépeindre le rôle des tribunaux dans la réparation de la dissonance historique entre les femmes des Caraïbes et le système juridique à travers un prisme judiciaire sensible au genre. Intitulée Herméneutique du soupçon, cette peinture représente une jeune femme déterminée. Son attitude introspective nous incite à nous tourner vers notre for intérieur et à considérer nos lois avec une herméneutique du soupçon afin que justice soit faite. Elle tend la main à son public dans une posture semblable à celle de quelqu’un qui ajuste l’objectif d’un appareil photo, nous invitant à ajuster l’objectif à travers lequel la jurisprudence et la législation sont formulées et appliquées. Ce n’est qu’en voyant le monde à travers les yeux de celles et ceux qui ont été historiquement privés de leurs droits que la justice substantielle peut véritablement être rendue ».
Hermeneutic of Suspicion
Acrylic on Canvas
6” x 20” (40 x 51 cm)
June 2025, Montego Bay, Jamaica
“This piece recognizes that legislation and adjudication have historically disenfranchised, and in fact, ‘de-dignified’ women and girls in the Caribbean region. Therefore it seeks to portray the role of courts in remedying the historical dissonance between Caribbean women and the legal system through a gender sensitive lens of adjudication. Titled Hermeneutic of Suspicion, this painting features a young, resolute, female figure. Her introspective demeanour causes us to look inwardly and view our laws with a hermeneutic of suspicion so that justice can be served. She further reaches towards her audience with a stance similar to one adjusting the lens of a camera, beckoning us to adjust the lens with which adjudication and legislation are formulated and applied. It is only through seeing the world through the eyes of the historically disenfranchised that substantive justice be truly effected.”
LINDXEE COLLINS
Passage
Art digital
4752 x 3168 px
Février 2025, Bridgetown, Barbade
« Passage explore la tension entre le passé et le présent. Une femme se tient sur le seuil, le regard calme, mais conscient. Derrière elle, un monde vibrant l’appelle, tandis qu’à sa gauche, les ruines industrielles fument, leur fumée s’échappant à travers les lattes de bois. Ce contraste saisissant reflète d’une part la lutte permanente contre la dégradation environnementale et sociale, et d’autre part son combat pour préserver sa culture et son identité, incarnés par les teintes chaudes. Sa posture traduit une résilience, une résistance silencieuse contre l’effacement. Passage n’est pas seulement un mouvement à travers l’espace, mais aussi à travers l’histoire, l’identité et les forces invisibles qui façonnent l’existence. Finalement, elle occupe l’espace dans l’embrasure de la porte, dans une posture interstitielle mais immobile et inébranlable, espérant trouver sa place ».
Passage
Digital art
4752 x 3168 px
February 2025, Bridgetown, Barbados
“Passage explores the tension between past and present. A woman stands at a threshold — her gaze calm, yet knowing. Behind her, a vibrant world beckons, while to her left, the industrial ruins smolder, its smoke creeping through wooden slats. The stark contrast reflects the enduring struggle against environmental and social decay on the one hand, and her fight to retain her culture and identity on the other, embodied by the warm hues. In her stance, there is resilience; a quiet defiance against erasure. Passage is not just a movement through space but through history, identity, and the unseen forces that shape existence. Ultimately, she takes up space in the doorway; interstitial yet fixed, unmoved yet hoping to belong.
Lindxee COLLINS
Récolte de souvenirs
Art digital
4752 x 3168 px
Février 2025, Bridgetown, Barbade
« Récolte de souvenirs explore les intersections entre l’appartenance, le lieu et la perte à travers une femme profondément enracinée dans l’histoire. Un arbre pousse sur sa tête et son cou, symbolisant sa mémoire ancestrale et sa résilience. Elle est vêtue de couleurs incarnant le travail et l’héritage, et porte un panier contenant le poids du déplacement culturel et les fragments de ce qui reste. Les traits roses vifs perturbent la scène, évoquant la perte et la transformation, tandis que le paysage abstrait en arrière-plan fait allusion à des identités changeantes. Elle se tient à la fois comme gardienne et porteuse de l’histoire, récoltant la mémoire pour préserver ce que le temps et la migration ont menacé d’effacer ».
Harvest of Memory
Digital art
4752 x 3168 px
February 2025, Bridgetown, Barbados
“Harvest of Memory explores the intersections of belonging, place, and loss through a woman deeply rooted in history. A tree grows from her head and neck, symbolizing her ancestral memory and resilience. She is dressed in hues embodying labour and heritage, and carries a basket containing the weight of cultural displacement and the fragments of what remains. The vivid pink strokes disrupt the scene, evoking loss and transformation, while the background’s abstract landscape hints at shifting identities. She stands as both a keeper and bearer of history, harvesting memory to preserve what time and migration have threatened to erase.”
MARIRI TAVARES
Visual artist
Honorable Mention of the 2025 International Contest for Minority Artists
Mariri Tavares (b. 1995) is a Black visual artist from Santa Maria, Brazil, whose work is rooted in environmental justice, social critique, and the transformative power of reuse. Raised in the periphery, she began experimenting with discarded materials in 2016, turning necessity into creativity when limited family income required her to invent with what was at hand. Starting with functional pieces such as bags and fanny packs made from textile waste, she soon developed a wider artistic practice that integrates visual and performing arts, costumes, and sculptural objects.
Her first encounter with mask-making at the Emaet Trevisan Art School sparked a practice of creating hybrid forms from discarded materials – plastic, metal, fabric, paper, styrofoam, branches, and seeds. Her works embody sacred fauna and flora, channeling both ancestral memory and urgent reflections on climate change and the environmental crisis. “Art became my most powerful way to communicate about the climate crisis,” she explains. “Reuse is not only creativity, it is survival, re-signification, and an emergency response to the impact of human footprints on Earth.”
Mariri’s practice centers on planetary awareness, conscious consumption, and the role of art as a tool for social transformation. By reimagining “waste” as material for beauty and resistance, she highlights the historical contributions of Black communities to cultural resilience while addressing systemic marginalization and environmental destruction. Her motto, “Nothing justifies the lack of hope” (Mãe Preta), guides both her creative process and her engagement with popular social education, through which she promotes environmental awareness and collective responsibility.
Mariri envisions art as a bridge between communities, education, and planetary responsibility, an accessible language capable of transforming despair into resilience and catalyzing action toward a just and sustainable future.
---
MARIRI TAVARES
Artiste plasticienne
Mention Honorable du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Mariri Tavares (née en 1995) est une artiste plasticienne noire et originaire de Santa Maria, au Brésil, dont le travail est ancré dans la justice environnementale, la critique sociale et le pouvoir transformateur du recyclage. Élevée en périphérie, elle commence à expérimenter avec des matériaux mis au rebut dès 2016. Mariri Tavares transforme alors la nécessité en acte créatif, dans un contexte où les revenus limités de sa famille l’obligent à inventer avec ce qu’elle a sous la main. Après avoir créé des objets fonctionnels tels que des sacs et des sacoches à partir de déchets textiles, elle développe rapidement une pratique artistique plus large qui intègre les arts visuels et les arts du spectacle, les costumes et les objets sculpturaux.
Sa première rencontre avec la fabrication de masques à l’école d’art Emaet Trevisan donne naissance à une pratique consistant à créer des formes hybrides à partir de matériaux jetés tels que le plastique, le métal, le tissu, le papier, le polystyrène, les branches et les graines. Ses œuvres incarnent la faune et la flore sacrées, canalisant à la fois la mémoire ancestrale et des réflexions urgentes concernant le changement climatique et la crise environnementale. « L’art est devenu mon moyen le plus puissant pour communiquer sur la crise climatique », explique-t-elle. « La réutilisation n’est pas seulement une question de créativité, c’est aussi une question de survie, de redéfinition et de réponse d’urgence face à l’impact de l’empreinte humaine sur la Terre ».
La pratique de Mariri Tavares est axée sur la conscience planétaire, la consommation responsable et le rôle de l’art comme outil de transformation sociale. En réinventant les « déchets » comme matière première pour la beauté et la résistance, elle met en lumière les contributions historiques des communautés noires à la résilience culturelle, tout en abordant la marginalisation systémique et la destruction de l’environnement. Sa devise – « Rien ne justifie le manque d’espoir » (Mãe Preta) – la guide à la fois dans son processus créatif et dans son engagement pour l’éducation sociale populaire, à travers laquelle elle promeut la conscience environnementale et la responsabilité collective.
Mariri Tavares envisage l’art comme un pont entre les communautés, l’éducation et la responsabilité planétaire, un langage accessible capable de transformer le désespoir en résilience et de catalyser l’action vers un avenir juste et durable.
MARIRI TAVARES
Visual artist
Honorable Mention of the 2025 International Contest for Minority Artists
Mariri Tavares (b. 1995) is a Black visual artist from Santa Maria, Brazil, whose work is rooted in environmental justice, social critique, and the transformative power of reuse. Raised in the periphery, she began experimenting with discarded materials in 2016, turning necessity into creativity when limited family income required her to invent with what was at hand. Starting with functional pieces such as bags and fanny packs made from textile waste, she soon developed a wider artistic practice that integrates visual and performing arts, costumes, and sculptural objects.
Her first encounter with mask-making at the Emaet Trevisan Art School sparked a practice of creating hybrid forms from discarded materials – plastic, metal, fabric, paper, styrofoam, branches, and seeds. Her works embody sacred fauna and flora, channeling both ancestral memory and urgent reflections on climate change and the environmental crisis. “Art became my most powerful way to communicate about the climate crisis,” she explains. “Reuse is not only creativity, it is survival, re-signification, and an emergency response to the impact of human footprints on Earth.”
Mariri’s practice centers on planetary awareness, conscious consumption, and the role of art as a tool for social transformation. By reimagining “waste” as material for beauty and resistance, she highlights the historical contributions of Black communities to cultural resilience while addressing systemic marginalization and environmental destruction. Her motto, “Nothing justifies the lack of hope” (Mãe Preta), guides both her creative process and her engagement with popular social education, through which she promotes environmental awareness and collective responsibility.
Mariri envisions art as a bridge between communities, education, and planetary responsibility, an accessible language capable of transforming despair into resilience and catalyzing action toward a just and sustainable future.
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MARIRI TAVARES
Artiste plasticienne
Mention Honorable du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Mariri Tavares (née en 1995) est une artiste plasticienne noire et originaire de Santa Maria, au Brésil, dont le travail est ancré dans la justice environnementale, la critique sociale et le pouvoir transformateur du recyclage. Élevée en périphérie, elle commence à expérimenter avec des matériaux mis au rebut dès 2016. Mariri Tavares transforme alors la nécessité en acte créatif, dans un contexte où les revenus limités de sa famille l’obligent à inventer avec ce qu’elle a sous la main. Après avoir créé des objets fonctionnels tels que des sacs et des sacoches à partir de déchets textiles, elle développe rapidement une pratique artistique plus large qui intègre les arts visuels et les arts du spectacle, les costumes et les objets sculpturaux.
Sa première rencontre avec la fabrication de masques à l’école d’art Emaet Trevisan donne naissance à une pratique consistant à créer des formes hybrides à partir de matériaux jetés tels que le plastique, le métal, le tissu, le papier, le polystyrène, les branches et les graines. Ses œuvres incarnent la faune et la flore sacrées, canalisant à la fois la mémoire ancestrale et des réflexions urgentes concernant le changement climatique et la crise environnementale. « L’art est devenu mon moyen le plus puissant pour communiquer sur la crise climatique », explique-t-elle. « La réutilisation n’est pas seulement une question de créativité, c’est aussi une question de survie, de redéfinition et de réponse d’urgence face à l’impact de l’empreinte humaine sur la Terre ».
La pratique de Mariri Tavares est axée sur la conscience planétaire, la consommation responsable et le rôle de l’art comme outil de transformation sociale. En réinventant les « déchets » comme matière première pour la beauté et la résistance, elle met en lumière les contributions historiques des communautés noires à la résilience culturelle, tout en abordant la marginalisation systémique et la destruction de l’environnement. Sa devise – « Rien ne justifie le manque d’espoir » (Mãe Preta) – la guide à la fois dans son processus créatif et dans son engagement pour l’éducation sociale populaire, à travers laquelle elle promeut la conscience environnementale et la responsabilité collective.
Mariri Tavares envisage l’art comme un pont entre les communautés, l’éducation et la responsabilité planétaire, un langage accessible capable de transformer le désespoir en résilience et de catalyser l’action vers un avenir juste et durable.
Mariri TAVARES
La vieille femme noire
Sculpture multimédia (antenne parabolique, paniers, tissus, tuyaux de câblage électrique)
65 x 65 cm
Santa Maria, Brésil, 2025
« La sagesse ancestrale, la sagesse des anciens et des anciennes. Salutations aux femmes noires, guérisseuses, prières. Ce sont celles qui ont foi dans les herbes ».
Old Black Woman
Mixed-media sculpture (satellite dish, baskets, fabrics, electrical wiring pipes)
65 x 65 cm
Santa Maria, Brazil, 2025
“Ancient wisdom, wisdom of the elders. Greetings to the Black women, healers, prayers. They are those who have faith in herbs.
Mariri TAVARES
Le loup à crinière
Sculpture multimédia (emballages plastiques, plâtre, antenne parabolique, corde, végétaux)
60 x 60 cm
Santa Maria, Brésil, 2025
« Le loup à crinière, une espèce menacée, devient ici un guide pour l’enfant, portant un pot de graines pour planter un nouveau monde ».
Maned Wolf
Mixed-media sculpture (plastic packaging, plaster, satellite dish, rope, plants)
60 x 60 cm
Santa Maria, Brazil, 2025
“The maned wolf, an endangered species, becomes a guide for the child, carrying a pot of seeds to plant a new world.”
Mariri TAVARES
Le loup à crinière
Sculpture multimédia (emballages plastiques, plâtre, antenne parabolique, corde, végétaux)
60 x 60 cm
Santa Maria, Brésil, 2025
« Le loup à crinière, une espèce menacée, devient ici un guide pour l’enfant, portant un pot de graines pour planter un nouveau monde ».
Maned Wolf
Mixed-media sculpture (plastic packaging, plaster, satellite dish, rope, plants)
60 x 60 cm
Santa Maria, Brazil, 2025
“The maned wolf, an endangered species, becomes a guide for the child, carrying a pot of seeds to plant a new world.”
Mariri TAVARES
Mère Nature
Sculpture multimédia (antenne parabolique, plastique, fil de fer, déchets)
65 x 65 cm
Santa Maria, Brésil, 2025
« Mère Nature est un biome de la forêt atlantique brésilienne qui incarne sa diversité. Elle rassemble la faune, la flore et les animaux que l’on trouve dans nos forêts ».
Mother Nature
Mixed-media sculpture (satellite dish, plastic, wire, trash)
65 x 65 cm
Santa Maria, Brazil, 2025
“Mother Nature is a biome in the Brazilian atlantic forest, representing its diversity. She brings together the fauna, flora, and animals found in our forests.”
Mariri TAVARES
Âme brésilienne
Sculpture multimédia (panneau de bois, plastique recyclé, plâtre, chiffons)
50 x 50 cm
Genève, Suisse, 2025
« Voici Alma Brasileira (Âme brésilienne).
Elle s’inspire de la beauté afro-indigène brésilienne.
C’est une femme d’âge mûr qui incarne la sagesse du temps.
L’ara bleu est un symbole important du Brésil, mais c’est une espèce en voie de disparition (SPÍXIS). »
Brazilian Soul
Mixed-media sculpture (wood panel, recycled plastic, plaster, rags)
50 x 50 cm
Geneva, Switzerland, 2025
“This is Alma Brasileira (Brazilian Soul).
She is inspired by Brazilian Afro-indigenous beauty.
She is a middle-aged woman to represent the wisdom of time.
The Blue Macaw is an important symbol of Brazil and it’s an endangered species (SPÍXIS).”
Mariri TAVARES
Âme brésilienne
Sculpture multimédia (panneau de bois, plastique recyclé, plâtre, chiffons)
50 x 50 cm
Genève, Suisse, 2025
« Voici Alma Brasileira (Âme brésilienne).
Elle s’inspire de la beauté afro-indigène brésilienne.
C’est une femme d’âge mûr qui incarne la sagesse du temps.
L’ara bleu est un symbole important du Brésil, mais c’est une espèce en voie de disparition (SPÍXIS). »
Brazilian Soul
Mixed-media sculpture (wood panel, recycled plastic, plaster, rags)
50 x 50 cm
Geneva, Switzerland, 2025
“This is Alma Brasileira (Brazilian Soul).
She is inspired by Brazilian Afro-indigenous beauty.
She is a middle-aged woman to represent the wisdom of time.
The Blue Macaw is an important symbol of Brazil and it’s an endangered species (SPÍXIS).”
SEAD KAZANXHIU
Visual artist
Main Award of the 2025 International Contest for Minority Artists
Sead Kazanxhiu (b. 1987) is a Romani visual artist based in Tirana, Albania, and winner of the Ardhje Award 2022 for young Albanian artists, organized by Zeta Contemporary Art Center. Kazanxhiu’s work has been presented widely across Europe, including at documenta fifteen in Kassel, the Museum of Contemporary Art in Skopje as part of Manifesta 14, the Roma Biennale in Berlin, the Triennale Milano, and numerous exhibitions in Albania, Kosovo, New York, the Czech Republic, and beyond.
Kazanxhiu’s practice unfolds at the intersection of art and activism, deeply rooted in his identity and experience as an Romani citizen of Albania. Working across painting, installation, performance, and video, his multidisciplinary approach foregrounds themes of politics, exclusion, prejudice, environmental concerns, and cultural survival. Central to his practice is the pursuit of dignity for a community too often overlooked and silenced within Europe’s democratic landscape.
“My work addresses issues of politics, activism, prejudice, exclusion, and the environment. My image making represents the efforts of a single artist devoted to restoring the dignity of the Romani people – the largest minority group in Europe that has been forcefully and unjustly marginalized within the structures of European democracy,” Kazanxhiu explains. His works challenge social and political hierarchies, while reclaiming Roma cultural elements within contemporary art frameworks.
Signature works such as The Nest (2012-2022), large swallow nests affixed to the façades of public institutions, claim space for Romani culture in dominant historical narratives. 8 for the 8th of April (2013), a protest-installation at the Albanian Parliament, celebrates Romani identity while demanding political inclusion. Majlinda (2020) transforms a recycler’s motorcycle into a monument to resilience and ecological labor. The Garden of Eden and the Eel Line (2022) juxtaposes the pollution of an Albanian river with the dream of regeneration and self-sufficiency.
For many, Kazanxhiu’s art embodies a rare combination of aesthetic strength and political urgency – confrontational in its approach, yet generative in its ability to open spaces for dialogue and reflection. His performances and installations carry the power to transform silence into visibility, and marginalization into resilience, affirming the place of Romani culture within European cultural and political life.
SEAD KAZANXHIU
Artiste plasticien
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Sead Kazanxhiu (né en 1987) est un artiste plasticien rom basé à Tirana en Albanie, et lauréat du Prix Ardhje 2022 pour les jeunes artistes albanais, organisé par le Zeta Contemporary Art Center. Les œuvres de Sead Kazanxhiu ont été largement présentées à travers l’Europe, notamment à la documenta fifteen à Kassel, au Musée d’art contemporain de Skopje dans le cadre de Manifesta 14, à la Biennale rom de Berlin, à la Triennale de Milan, ainsi que dans de nombreuses expositions en Albanie, au Kosovo, à New York, en République tchèque et ailleurs.
La pratique de Sead Kazanxhiu se situe à la croisée de l’art et de l’activisme, et se trouve profondément enracinée dans son identité et son expérience en tant que citoyen rom d’Albanie. À travers la peinture, des installations, des vidéos et des performances artistiques, son approche multidisciplinaire met en avant des thèmes tels que la politique, l’exclusion, les préjugés, les préoccupations environnementales et la survie culturelle. Au cœur de sa pratique se trouve la recherche de la dignité pour une communauté trop souvent négligée et réduite au silence dans le paysage démocratique européen.
« Mon travail aborde des questions de politique, d’activisme, de préjugés, d’exclusion et d’environnement. Mes créations représentent les efforts d’un artiste seul qui se consacre à restaurer la dignité du peuple rom, le plus grand groupe minoritaire d’Europe, qui a été marginalisé de manière violente et injuste au sein des structures de la démocratie européenne », explique Sead Kazanxhiu. Ses œuvres remettent en question les hiérarchies sociales et politiques, tout en réhabilitant les éléments culturels roms dans l’art contemporain.
Des œuvres emblématiques telles que The Nest (2012-2022), une installation composée de grands nids d’hirondelles fixés aux façades d’institutions publiques, revendiquent une place pour la culture rom dans les récits historiques dominants. 8 for the 8th of April (2013), une installation-manifestation au Parlement albanais, célèbre l’identité rom tout en exigeant l’inclusion politique. Avec Majlinda (2020), Sead Kazanxhiu transforme la moto d’un recycleur en un monument à la résilience et au travail écologique. The Garden of Eden and the Eel Line (2022) confronte la pollution d’une rivière albanaise au rêve de régénération et d’autosuffisance.
Pour beaucoup, l’œuvre de Sead Kazanxhiu incarne une combinaison rare, alliant force esthétique et urgence politique. Son œuvre est déstabilisante dans son approche, mais génératrice dans sa capacité à ouvrir des espaces de dialogue et de réflexion. Ses performances et ses installations ont le pouvoir de transformer le silence en visibilité, et la marginalisation en résilience, tout en affirmant la place de la culture rom dans la vie culturelle et politique européenne.
Sead KAZANXHIU
8 pour le 8 avril
Installation publique
Matériel: huit roues de tracteur peintes aux couleurs du drapeau rom
Initialement installée devant le Parlement albanais, Tirana, Albanie, 2013
Reproduction in situ par Candice Delaune, artiste pluridisciplinaire, Genève, 2025
« Dans l’installation publique 8 per 8 Prillin (8 pour le 8 avril), j’ai peint huit grandes roues de tracteur aux couleurs du drapeau rom et les ai installées devant l’entrée du Parlement albanais. Cette installation a été réalisée à l’occasion de la Journée internationale des Roms, dans le but d’accroître la visibilité de la communauté rom ».
8 for the 8th of April
Public installation
Materials: eight tractor wheels painted in the colours of the Romani flag
Originally installed in front of the Albanian Parliament, Tirana, Albania, 2013
In situ reproduction by Candice Delaune, visual artist, Geneva, 2025
“In the public installation 8 per 8 Prillin (8th for the 8th of April), I painted 8 large tractor wheels with the colours of the Romani flag and installed them in front of the entrance of the Albanian Parliament. This installation was made on the occasion of International Roma Day, as an effort to increase the visibility of the Roma community.”
Sead KAZANXHIU
Baltosje [Salir]
Documentation vidéo d’une performance multimédia
7 min 28 s
Tirana, Albanie, 2021
« Souvent, les politiciens albanais, ou diverses entités privées et publiques, utilisent le terme “Baltosje” (“salir”) avec une connotation négative, pour exprimer une forme d’accusation contre une entité politique, une institution ou même un individu particulier, lorsqu’il/elle occupe une fonction publique ou privée. Dans cette performance, l’artiste invite les membres de sa communauté à le recouvrir de “shishik” (“argile” en langue romani) dans le cadre d’un processus de purification et de protection. L’interaction entre l’artiste peint et recouvert de boue par les membres de sa communauté exprime de manière figurative leur désir et leur engagement à préserver sa “pureté”, comme une forme d’acceptation et de légitimité qui lui est accordée alors qu’il devient un modèle positif pour les Roms qui ont lutté pour participer aux processus décisionnels du gouvernement albanais et y sont parvenus ».
Baltosje [Mudding]
Video Documentation of Multimedia act
07:28 min.
Tirana, Albania, 2021
“Often Albanian politicians, or various private and public entities, use the term ‘Baltosje’ (‘mudding’) with negative connotation, to articulate a form of indictment against a particular political entity, institution, or even an individual, when he/she has a public or private function. In this performance, the artist invites members of his community to cover him with shishik (‘clay’ in the Romani language) as a form of purification and a protective process. The interaction between the artist being painted and covered with mud by members of his community figuratively expresses their desire and commitment to preserve his ‘pure’ figure as a form of acceptance and legitimacy given to him as he becomes a positive model of a Roma person who has struggled for — and achieved — participation in the decision-making processes of Albanian government.”
BELONGING, PLACE AND LOSS
Exhibition of the Laureates of the Fourth Edition of the International Contest for Minority Artists (2025)
BELONGING, PLACE AND LOSS presents a collection of artworks from the laureates of the 2025 edition of the International Contest for Minority Artists. Organized since 2022, the Contest aims to support and amplify the voices of minority artists committed to defending human rights around the world. The initiative is a partnership of the UN Human Rights Office (OHCHR) with the civil society organizations Freemuse and Minority Rights Group (MRG), and the City of Geneva. Organized in collaboration with the Centre des Arts of the International School of Geneva (Ecolint), this exhibition invites visitors on a journey through the intimate and collective layers of creative expression articulated by eight remarkable minority artists. Across painting, digital art, dance, photography, performance, and multimedia installations, these artists explore – each in their own way – what Belonging, Place and Loss mean for minorities in a world increasingly fractured and conflicted. Depicting the lived realities of those whose voices too often remain unheard or marginalized, each artwork becomes an embodied testimony and a vivid invitation to (re)conceive belonging and attachment from the perspectives of minority communities. At the heart of this exploration lies the emerging idea of “cultural bereavement” – the trauma that follows the loss of community, language, land, and familiar worlds. Through creative gesture, these artists make immediately and profoundly tangible the wounds caused by displacement, dispossession, and the erosion of minority languages, cultures, memories, and shared lifeworlds. Their art transforms these absences into presence, rendering the unseen and unsaid visible. Several works also confront the entwined injustices of environmental racism and the unequal toll of climate change, translating urgent realities into creations that stir empathy and emphasize the need for collective action.
Through their artistic practice and commitment, each of the eight artists presented in this exhibition acts as a human rights ambassador, translating the realities and struggles – but also the bravery and hopes – of minorities into creative languages of remembrance, resilience, and renewal. This exhibition is not only a reflection of what has been lost, but also a testament to the enduring power of minority art to heal, (re)connect, advocate for human rights, and reimagine justice in our societies.
International Minority Artist Award Laureates 2025
Alia Al-Saadi (Palestinian dancer and choreographer, Syria)
Sead Kazanxhiu (Romani visual artist, Albania)
Darwin Cruz (Maya Ch’ol visual artist, Mexico)
International Minority Artist Award Laureate 2025: Youth Category
Lindxee Collins (Jamaican visual artist, Barbados)
Honorable Mentions 2025
Abubakar Moaz (Sudanese visual artist, Kenya)
Mariri Tavares (Black visual artist, Brazil)
Emanoel Saravá (Afro-Indigenous visual and photo-performance artist, Brazil)
Kheder Abdulkarim (Kurdish-Syrian visual artist, Germany)
APPARTENANCE, LIEU ET PERTE
Exposition des Lauréat-e-s de la Quatrième Édition du Concours International pour les Artistes Issu-e-s de Minorités (2025)
APPARTENANCE, LIEU ET PERTE présente une collection d’œuvres réalisées par les lauréat-e-s de l’édition 2025 du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités. Organisé depuis 2022, le Concours vise à soutenir et amplifier la voix des artistes issu-e-s de minorités qui s’engagent pour la défense des droits humains à travers le monde. Cette initiative est le fruit d’un partenariat entre le Haut-Commissariat des Nations Unies aux droits de l’homme (HCDH), les organisations de la société civile Freemuse et Minority Rights Group (MRG), et la Ville de Genève. Organisée en collaboration avec le Centre des Arts de l’École Internationale de Genève (Ecolint), cette exposition invite à un voyage à travers les dimensions intimes et collectives de l’expression créative déployée par huit remarquables artistes issu-e-s de minorités. Par le biais de la peinture, l’art numérique, la danse, la photographie, la performance artistique et des installations multimédias, ces artistes explorent ce que signifient l’Appartenance, le Lieu et la Perte pour les minorités dans un monde de plus en plus fracturé et conflictuel.
Dépeignant les réalités vécues de celles et ceux dont les voix restent trop souvent inaudibles ou marginalisées, chaque œuvre constitue un témoignage incarné et une invitation vibrante à (re)concevoir l’appartenance et l’attachement du point de vue des communautés minoritaires. Au cœur de cette exploration se trouve l’idée émergeante de « deuil culturel » – le traumatisme qui suit la perte de la communauté, de la langue, de la terre et des mondes familiers. Par le biais de leur geste créatif, ces artistes rendent profondément tangibles les blessures causées par le déplacement, la dépossession et l’érosion des langues, des cultures, des souvenirs et des visions du monde des communautés minoritaires. Leur art transforme ces absences en présence, rendant visible et dicible ce qui demeure souvent invisible et inexprimé. Plusieurs œuvres abordent également les injustices causées par le racisme environnemental et les conséquences inégales du changement climatique ; elles transposent ces réalités urgentes dans des créations qui suscitent l’empathie, tout en soulignant la nécessité de l’action collective.
À travers leur pratique artistique et leur engagement, les artistes agissent ici comme ambassadeurs et ambassadrices des droits humains, traduisant les réalités et les luttes – mais aussi le courage et les espoirs – des minorités par le prisme du langage créatif, évoquant ainsi la mémoire, la résilience et le renouveau. Cette exposition n’est pas seulement le reflet de ce qui a été perdu, mais elle constitue également un témoignage de la puissance durable de l’art minoritaire pour guérir, (re)lier, défendre les droits humains et réimaginer la justice dans nos sociétés.
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Alia Al-Saadi (danseuse et chorégraphe palestinienne, Syrie)
Sead Kazanxhiu (artiste plasticien rom, Albanie)
Darwin Cruz (artiste plasticien maya ch’ol, Mexique)
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025 : catégorie jeunesse
Lindxee Collins (artiste peintre jamaïcaine, Barbade)
Mentions honorables du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025
Abubakar Moaz (artiste plasticien soudanais, Kenya)
Mariri Tavares (artiste plasticienne noire, Brésil)
Emanoel Saravá (artiste plasticien et photographe-performeur afro-autochtone, Brésil)
Kheder Abdulkarim (artiste peintre kurde-syrien, Allemagne)
THE 4th EDITION OF
THE INTERNATIONAL CONTEST
FOR MINORITY ARTISTS
THE 4th EDITION OF
THE INTERNATIONAL CONTEST
FOR MINORITY ARTISTS
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OUR VIRTUAL TOURS
Explore our past exhibitions through our virtual galleries. Discover each artwork from the location of your choosing and opt, at your leisure, to be guided through our curated tours.
ARTISTIC DIRECTION:
Isabelle Muller
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NEWS & EVENTS:
Throughout the year, the Arts Centre team organises a diverse programme of exhibitions, performances, concerts, shows, and much more. Discover all of our virtual tours!
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JUDGES 2025
Yvonne Apiyo Brändle-Amolo
Francis Estrada
Anna Mirga-Kruszelnicka
Andrew Wong
Alexandra Xanthaki
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THANKS TO
Our partners :
OHCHR
Freemuse
La Ville de Genève
Minority Group International
Ecole International de Genève
Loterie Romande
Mélanie Delaune – Curator
Laura Cahier – Cordinator of the International Competition for minority artists
Claude Cahn – Human Rights Officer, UN Human Rights Office
Isabelle Muller - Director of the Centre des arts
Centre des arts team
Background music by Toby May
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THANKS TO
Our partners :
OHCHR
Freemuse
La Ville de Genève
Minority Group International
Ecole International de Genève
Loterie Romande
Mélanie Delaune – Curator
Laura Cahier – Cordinator of the International Competition for minority artists
Claude Cahn – Human Rights Officer, UN Human Rights Office
Isabelle Muller - Director of the Centre des arts
Centre des arts team
Background music by Toby May
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JUDGES 2025
Yvonne Apiyo Brändle-Amolo
Francis Estrada
Anna Mirga-Kruszelnicka
Andrew Wong
Alexandra Xanthaki
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ARTISTIC DIRECTION:
Isabelle Muller
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Throughout the year, the Arts Centre team organises a diverse programme of exhibitions, performances, concerts, shows, and much more. Discover all of our virtual tours!
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LINDXEE COLLINS
Artiste peintre
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025 : catégorie jeunesse
Lindxee Collins (née en 2005) est une artiste jamaïcaine vivant à la Barbade et une étudiante en droit, dont la pratique allie créativité et militantisme. Sous le pseudonyme Coloured by Justice, elle explore les intersections entre l’art et le droit afin de provoquer des débats sur la justice, les
inégalités structurelles et le changement social.
En tant que membre d’une minorité nationale à la Barbade, Lindxee Collins a collaboré avec le Programme alimentaire mondial des Nations Unies, la campagne Truth Be Told concernant le changement climatique et Jamaicans for Justice, s’engageant ainsi sur les questions de justice
climatique et d’égalité de genre. Plus récemment, grâce à son partenariat avec le Caribbean Culture Fund et Call Barbados, son travail s’est orienté vers l’héritage de l’histoire des Caraïbes, la justice réparatrice et l’identité.
« Ma vision consiste à mettre en évidence la perpétuation du racisme structurel à l’échelle globale et ses liens directs avec l’injustice historique. À travers les arts visuels, je cherche à susciter un dialogue critique sur la manière dont ces histoires influencent les inégalités actuelles, notamment en relation avec le changement climatique », explique-t-elle. Deux de ses œuvres présentées dans le cadre de ce concours, intitulées Harvest of Memory et Passage, explorent l’appartenance comme une condition interstitielle : pour les peuples des Caraïbes historiquement détachés de la terre, le lieu s’est souvent construit mentalement ou spirituellement ; aujourd’hui, il reste chargé des réalités complexes du postcolonialisme et de l’industrialisation. Les deux œuvres mettent en scène des figures féminines sombres, évoquant la perte, le déplacement et la dépossession environnementale, tout en incarnant la résilience.
Pour Lindxee Collins, l’art est une plateforme de militantisme, un langage accessible capable de remettre en question les récits historiques dominants, de visualiser la justice et de faire avancer les appels à la réparation en matière d’appartenance, de terre et de reconnaissance. Sa pratique artistique insiste sur l’idée que les réparations doivent aller au-delà de l’indemnisation pour
englober la restauration culturelle, la gestion environnementale et le droit à la dignité des communautés déplacées dans le monde entier.
LINDXEE COLLINS
Artiste peintre
Prix du Concours international pour les artistes issu-e-s de minorités 2025 : catégorie jeunesse
Lindxee Collins (née en 2005) est une artiste jamaïcaine vivant à la Barbade et une étudiante en droit, dont la pratique allie créativité et militantisme. Sous le pseudonyme Coloured by Justice, elle explore les intersections entre l’art et le droit afin de provoquer des débats sur la justice, les
inégalités structurelles et le changement social.
En tant que membre d’une minorité nationale à la Barbade, Lindxee Collins a collaboré avec le Programme alimentaire mondial des Nations Unies, la campagne Truth Be Told concernant le changement climatique et Jamaicans for Justice, s’engageant ainsi sur les questions de justice
climatique et d’égalité de genre. Plus récemment, grâce à son partenariat avec le Caribbean Culture Fund et Call Barbados, son travail s’est orienté vers l’héritage de l’histoire des Caraïbes, la justice réparatrice et l’identité.
« Ma vision consiste à mettre en évidence la perpétuation du racisme structurel à l’échelle globale et ses liens directs avec l’injustice historique. À travers les arts visuels, je cherche à susciter un dialogue critique sur la manière dont ces histoires influencent les inégalités actuelles, notamment en relation avec le changement climatique », explique-t-elle. Deux de ses œuvres présentées dans le cadre de ce concours, intitulées Harvest of Memory et Passage, explorent l’appartenance comme une condition interstitielle : pour les peuples des Caraïbes historiquement détachés de la terre, le lieu s’est souvent construit mentalement ou spirituellement ; aujourd’hui, il reste chargé des réalités complexes du postcolonialisme et de l’industrialisation. Les deux œuvres mettent en scène des figures féminines sombres, évoquant la perte, le déplacement et la dépossession environnementale, tout en incarnant la résilience.
Pour Lindxee Collins, l’art est une plateforme de militantisme, un langage accessible capable de remettre en question les récits historiques dominants, de visualiser la justice et de faire avancer les appels à la réparation en matière d’appartenance, de terre et de reconnaissance. Sa pratique artistique insiste sur l’idée que les réparations doivent aller au-delà de l’indemnisation pour
englober la restauration culturelle, la gestion environnementale et le droit à la dignité des communautés déplacées dans le monde entier.
LINDXEE COLLINS
Visual artist
Youth Minority Artist Award of the 2025 International Contest for Minority Artists
Lindxee Collins (b. 2005) is a Jamaican minority artist in Barbados and a law student whose practice bridges creativity and advocacy. Working under the alias Coloured by Justice, she explores the intersections of art and law as a means of driving conversations on justice, structural inequality, and social change.
As member of a national minority in Barbados, Collins has collaborated with the UN World Food Programme, the Truth Be Told Campaign for Climate Change, and Jamaicans for Justice, engaging issues of climate justice and gender equity. More recently, through her partnership with the Caribbean Culture Fund and Call Barbados, her work has turned toward the legacies of Caribbean history, reparative justice, and identity.
“My vision is to highlight the perpetuation of structural racism on a global scale and its direct links to historical injustice. Through visual art, I seek to spark critical dialogue on how these histories inform present inequalities, particularly in relation to climate change,” she explains. Two of her works for this contest, entitled Harvest of Memory and Passage, explore belonging as an interstitial condition: for Caribbean peoples historically detached from land, place was often constructed mentally or spiritually; today, it remains fraught with the layered realities of postcolonialism and industrialization. Both pieces feature somber female figures, evoking loss, displacement, and environmental dispossession while also embodying resilience.
For Collins, art is a platform for advocacy, an accessible language capable of challenging dominant historical narratives, visualizing justice, and advancing reparatory calls for belonging, land, and recognition. Her practice insists that reparations must extend beyond compensation to encompass cultural restoration, environmental stewardship, and the right to dignity for displaced communities worldwide.
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LINDXEE COLLINS
Visual artist
Youth Minority Artist Award of the 2025 International Contest for Minority Artists
Lindxee Collins (b. 2005) is a Jamaican minority artist in Barbados and a law student whose practice bridges creativity and advocacy. Working under the alias Coloured by Justice, she explores the intersections of art and law as a means of driving conversations on justice, structural inequality, and social change.
As member of a national minority in Barbados, Collins has collaborated with the UN World Food Programme, the Truth Be Told Campaign for Climate Change, and Jamaicans for Justice, engaging issues of climate justice and gender equity. More recently, through her partnership with the Caribbean Culture Fund and Call Barbados, her work has turned toward the legacies of Caribbean history, reparative justice, and identity.
“My vision is to highlight the perpetuation of structural racism on a global scale and its direct links to historical injustice. Through visual art, I seek to spark critical dialogue on how these histories inform present inequalities, particularly in relation to climate change,” she explains. Two of her works for this contest, entitled Harvest of Memory and Passage, explore belonging as an interstitial condition: for Caribbean peoples historically detached from land, place was often constructed mentally or spiritually; today, it remains fraught with the layered realities of postcolonialism and industrialization. Both pieces feature somber female figures, evoking loss, displacement, and environmental dispossession while also embodying resilience.
For Collins, art is a platform for advocacy, an accessible language capable of challenging dominant historical narratives, visualizing justice, and advancing reparatory calls for belonging, land, and recognition. Her practice insists that reparations must extend beyond compensation to encompass cultural restoration, environmental stewardship, and the right to dignity for displaced communities worldwide.
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